5088

101

Художники-прерафаэлиты пересказывали средствами живописи легенды и истории из далекого прошлого, однако любой романтический сюжет они стремились изобразить так, словно в нем действуют реальные люди, получалось, что легенду они писали с натуры. В начальный период творчества прерафаэлитов самым важным для них было передать на картине многозначительные взгляды, сдержанные позы героев, выражение лица.

Самой яркой личностью среди прерафаэлитов является Данте Габриэль Россетти (1821–1882). Современные сюжеты казались ему связанными с викторианским ханжеством и лицемерием, прозой, скукой. Гораздо больший интерес вызывала у него Италия времен Данте и Беатриче и средневековые легенды.

Небольшие акварельные композиции «Паоло и Франческа да Римини», «Первое известие о смерти Беатриче», «Дантов ангел» (1840–50-е), в которых он развивал романтический символизм, составили славу творчества Россетти. Кроме того, прерафаэлиты часто обращались к сюжетам из жизни Иисуса Христа и Девы Марии. Известны полотна Россетти «Слуга Господень» (1850 г.) и «Юность Марии» (1849 г.). Последняя представляет собой таинственную, насыщенную символикой и скрытой от глаз духовной жизнью картину. Тихо и мирно двигаются пальцы юной девушки, под присмотром матери вышивающей лилию на алой ткани. Ее взгляд не следит за работой, он прикован к живой белой лилии – символу чистоты. На полу у ног Марии лежат пальмовая ветвь с семью листьями и палка с семью колючками, перевитые лентой с надписью «сколько страданий, столько и радости», напоминая о Страшном Суде. За спиной Анны, матери Марии, изображены крест, увитый плющом, и голубь в круге – символ Святого Духа. Образы Анны и Марии списаны с матери и сестры художника. Прерафаэлиты отказались от академических принципов работы и считали, что все необходимо писать с натуры, они также считали, что нельзя изображать посторонних людей, поэтому в качестве натуры выбирали своих друзей или родственников. Они внесли изменения и в традиционную технику живописи: использовали чистые цвета, писали без подмалевки по сырому белому грунту. На загрунтованном холсте художники намечали композицию, наносили слой белил и убирали из него масло промокательной бумагой, а затем писали поверх белил полупрозрачными красками. Выбранная техника позволила добиться ярких, свежих тонов и оказалась такой долговечной, что их работы сохранились в первоначальном виде до наших дней. В такой же технике был написан портрет покойной жены Россетти «Beata Beatrix» (1863 г.) – своеобразная иллюстрация к произведению Данте «Новая жизнь». Беата-Беатриче представлена в меркнущем свете зари, окутывающим золотым ореолом ее пушистые волосы; она сидит на балконе флорентийского дворца, и голубь приносит ей белый мак – эмблему вечного забвения и невинности. Сквозь радужное марево видны мост, дома и словно сотканные из влажного вечернего воздуха фигуры ангела и Данте.

Для Россетти было характерно смешение поэзии и реальности, сна и бодрствования, и нельзя сказать точно, искусство ли отражало действительность или реальный мир подгонялся под воображаемый, более значительный и психологически насыщенный. Женские образы так называемого россеттиевского типа с решительно выдвинутым вперед подбородком, разительно отличались от слащавых и скромных викторианских барышень, многократно воспроизводились последователями Россетти, такими, как Уильям Хант (1827–1910), Джон Миллес (1829–1896) и некоторыми другими.

Романтические традиции английской живописи были развиты Джоном Констеблом (1776–1837), которого называли «естественным живописцем», до того его картины были пронизаны светом и воздухом. Констебл писал с натуры, предвосхитив тем

102

самым работу на пленэре французских импрессионистов. Наряду с ним певцом английского романтического пейзажа был Уильям Тернер (1775–1851). Он первым вывел в искусстве понимание природы как главного образа. Он писал бурю, метель, ливень, пургу, туман и т.д. Наиболее известна его картина «Буря в пустыне. Переход Ганнибала через Альпы» (1812 г.), в которой использован любимый Тернером прием – драматическая часть картины, изображающая разгулявшуюся стихию, вписана в овал. Пурга, хлопья снега свиваются в воронку, затягивая в расщелину гор растерявшихся воинов. Почти все работы художника – «Кораблекрушение» (1805 г.), «Пожар лондонского Парламента» (1835 г.), «Невольничье судно» (1840 г.) и другие написаны легкими, прозрачными быстрыми мазками. Тернер предпочитал светлые краски, очень любил белила и различные оттенки желтого и коричневого цветов, никогда не использовал зеленый и черный цвета.

9.2. Романтизм в литературе

Многие принципы романтического искусства, в частности живописи, совпадают с тем, что явилось главным для литературы этого периода: та же идеализация прошлого, в укор современности, отсюда обращение к легендам, сказаниям, истории. Писатели и особенно поэты искали идеал за пределами современной цивилизации, что ввело в

литературу моду на путешествия и открытие стран Востока, восхищение его патриархальной моралью. Как и в изобразительном искусстве, в литературе романтизма много мистицизма, религиозных тем. Субъективное начало выражалось через переживания, раздумья героя, показ его психологии. Соотнесенность природы с внутренним миром человека рождала подтекст, символизм, иносказание.

Литература романтизма вызвала мощное развитие исторического романа, в

в исключительных обстоятельствах.

Выдающимися представителями романтизма в литературе были – в Германии Эрнст Амадей Гофман; во Франции – Виктор Гюго. Центральной фигурой

Настроения тоски и разочарования, которые переживала послереволюционная Европа, воплотились в первом крупном романтическом произведении Байрона «Паломничество Чайльд-Гарольда» (1812–1818).

Главным открытием Байрона явилось создание им характера, получившего название «байронического героя», которому современники сочувствовали и стремились подражать. Этот герой существует в двух ипостасях: богоборческой, свободолюбивой (Прометей) и сатанинской, демонической, воплощающий темные силы души, на которой лежит печать зла, совершенного преступления (герои «восточных» поэм «Гяур», «Корсар», «Лара» и др.). Часто обе эти стороны души совмещены в одном человеке.

Байрон вводит понятие «лирический герой», вытекающее из тождества искусства и жизни, когда за стихотворной строкой встает портрет автора, его чувства, биография, судьба. «Жизнетворчество» является определяющей чертой байроновского романтизма, Пушкин отмечал, что Байрон представил самого себя в разных вариациях, последней из которых стал образ поэта в незаконченном романе в стихах «Дон Жуан» (1819–1824), где в столкновении с реальной действительностью романтические иллюзии героя рассыпаются в прах. Хотя в «Доне Жуане» есть все приметы романтизма: путешествия, приключения, битвы и сражения – сам образ легендарного

103

соблазнителя снижен. Отношение автора к нему ироническое. Он тщедушен, трусоват, нерешителен, судьба несет его, как река щепку. В конце поэмы он вырастает в новый литературный типаж – героя-приспособленца, пытающегося устроить свою жизнь за счет выгодной женитьбы. Байрон не случайно в конце произведения забрасывает Дон Жуана в Англию, где царят холодный расчет и карьеризм, у истоков которого часто стоят состоятельные покровительницы. В конце поэмы Байрон отходит от принципов романтизма и предвосхищает реалистическое мастерство Бальзака.

ГЛАВА 10. РЕАЛИЗМ В ЖИВОПИСИ И ЛИТЕРАТУРЕ ХIХ ВЕКА

10.1. Реализм в живописи

В недрах романтического искусства начала ХIХ века стал формироваться реализм, связанный с прогрессивными общественными антибуржуазными настроениями. Начиная с 30-х годов ХIХ века реалистическое искусство, стремившееся к точности изображения окружающего мира, стало обличать современную ему действительность. Реализм (дословно «вещественный»), в отличие от натурализма ХVII века, стремился к обобщениям, типизации, к изображению обычных людей, а не героев-авантюристов, что было свойственно произведениям романтиков. Если романтики показывали исключительного героя, действующего в исключительных обстоятельствах, то писатели-реалисты изображали типического героя, действующего в типических ситуациях. Писатели реалистических произведений вели тщательный отбор фактов, чтобы показать не просто человека, а типичного крестьянина, типичного аристократа, горожанина, селянина и т.д. Герой реалистических произведений. Что в живописи, что в литературе несет в себе черты свойственные его социальной среде, но в то же время он индивидуален, единственен, не похож на других..

Ключевой фигурой во французском реалистической живописи, бесспорно, является Гюстав Курбе (1819–1877). Он первым из европейских художников провозгласил своим методом реализм, указав на его демократическую природу. В центре творчества Курбе уже с первых его крупных работ «Послеобеденный отдых в Орнане» (1849 г.), «Похороны в Орнане» (1849 г.), «Дробильщики камня» (1850 г.) оказались не отдельные личности, а народ. Все персонажи его картин были портретно узнаваемы, но суть творчества Курбе состояла в том, что каждая фигура была доведена до типической значимости, а в каждом герое угадывалась судьба целого поколения.

Ставя вопрос о функции реалистического искусства, Курбе уподоблял его философскому трактату или манифесту, утверждая, что сущность реализма – это отрицание идеала, что разум должен присутствовать во всем, что касается человека. Отрицание идеала, считал Курбе, приводит к освобождению личности, и в конечном счете к демократии. Все эти принципы нашли свое воплощение в другой известной его картине – «Ателье» (другое название «Мастерская художника, или Реальная аллегория, характеризующая семилетний период моей художественной жизни» (1885 г.).

На картине – ателье художника в Париже. Персонажи делятся на три группы: в центре – сам автор, справа – его друзья, слева – враги, олицетворяющие все то, что художник ненавидел в жизни, на переднем плане Наполеон III, во время правления которого была установлена полицейская диктатура и тяжкие поборы, что привело к народному восстанию 1871 года. Курбе поддерживал Парижскую Коммуну, и после ее поражения вынужден был бежать из Франции. В правой части огромного холста (361 х 598 см), фигуры на котором изображены практически в натуральную величину, художник изобразил группу людей, которых он чтил: коллекционер Брюйа, социалист Прудон, личные друзья Курбе – Кено и Бюшон. Главное место среди друзей занимает французский писатель и критик Шанфлери, который и познакомил Курбе с эстетикой

104

реализма. Человек, сидящий на столе справа, поэт Бодлер. Фигура обнаженной женщины, стоящей за спиной художника, символ неприкрытой правды, которой послушна его кисть. Противоположные наклоны голов обнаженной и Курбе уравновешивают друг друга. На мольберте большой холст с видом родных мест живописца. Академическое искусство не признавало пейзаж жанром, достойным подлинного художника. Курбе здесь, в этом полотне, фактически объявляет войну академическому искусству. В картине много символов: мальчик, стоящий рядом с художником – будущее искусство, собака – верность, подросток, рисующий на полу – тяжкий путь творчества, нищеты. Головы врагов покрыты головными уборами, головы друзей ничем не скрыты – их помыслы чисты. Через символику Курбе выразил главные проблемы жизни и творчества: общество разъединено, роль искусства – активное вмешательство в происходящие социальные процессы.

Значительный вклад в развитие французского реалистического изобразительного искусства внес Оноре Домье (1808–1879), известный график-сатирик. В своих произведениях он обличал ханжество, алчность, духовную пустоту правительства при Луи Филиппе – «Законодательное чрево», «Он нам больше не опасен» (оба 1834 г.). Домье создал целую серию литографий, посвященных образу Дон Кихота, приветствуя вечную устремленность вперед известного литературного персонажа. После революции 1848 года он пишет новую серию, посвященную противоречию между внешним обликом людей и их сущностью, эту серию он назвал «Судьи и адвокаты», и в ней он поднялся до социальных и политических обобщений.

10.2. Реализм в литературе

Литературный реализм ХIХ века всесторонне развил и углубил воспринятую от

существенных сторон жизни, воспроизведение типичных характеров, действующих в типических обстоятельствах, жизненная достоверность изображения, преобладающий интерес к проблемам зависимости личности от общества.

Романтизм перевоссоздавал действительность, идеализируя ее, реализм показывал жизненную правду в ее закономерном развитии, в исторической перспективе. Главное отличие реализма от других литературных направлений – умение отбирать наиболее типичные факты своего времени и делать обобщенный портрет своей эпохи и своих современников.

Реализм не только показывал психологию человека, но отражал (по выражению Л.Н. Толстого) «диалектику души» своего героя. Герой менялся в зависимости от обстоятельств, он перестал быть статичным, как было в искусстве до реализма. Проблемы общества в произведениях лучших писателей реалистов пропущены через душу героя. Его страдания. Сомнения. Выбор. Литература стала более пристально всматриваться и отображать внутреннюю жизнь персонажа. Что наполнело произведения глубоким психологизмом.

В реализме (особенно ХХ века) появляются различные типы и жанры романов – философский, сатирический, фантастический, но ведущим жанром литературы Х1Х века становится социально-психологический роман.

Основоположником европейского реализма по праву считают французского писателя Оноре де Бальзака (1799–1850).

Он считал себя «секретарем общества, истории». Продолжая традиции просветителей, Бальзак стремился воссоздать картину современной жизни в разных ее проявлениях. Это привело его к мысли объединить все, что он написал и будет писать, в единый цикл – «Человеческую комедию», названную так по аналогии с

105

«Божественной комедией» Данте. Он работал над этим циклом практически до последних дней жизни – с 1829 по 1848 годы, закончив 96 романов, два остались незавершенными. В них действует более 2000 персонажей – от аристократов до каторжников, как говорил сам Бальзак «Мой роман – весь мир», в нем – жизненная правда, понимание искусства как средства познания действительности.

Внаиболее известных романах – «Шагреневая кожа», «Гобсек», «Отец Горио», «Утраченные иллюзии» и других живут и взаимодействуют представители разных профессий, психологических типов, многие из которых стали нарицательными. Эпопея, связанная общим замыслом и персонажами, делится на этюды о нравах, в которых он писал о провинциальной сельской, частной, политической, военной жизни. В них Бальзак гениально показал законы развития реальной действительности по спирали от фактов к философскому обобщению. Большую часть его романов из этого цикла исследователи и сам автор относили к философским этюдам, кроме них в эпопее присутствуют этюды аналитические. «Человеческая комедия» Бальзака – грандиозная по своему охвату реалистическая картина французского общества, отражающая его противоречия, оборотную сторону буржуазных отношений и нравов. Бальзак всегда утверждал, что он пишет не портреты определенных лиц, а обобщенные образы. Обобщение – одна из главных заповедей эстетики Бальзака.

Прекрасным реалистом был соотечественник Бальзака – Гюстав Флобер (1821–1881), автор романа «Мадам Бовари», повлиявшим на литературную стилистику последующей европейской прозы. Свой вклад в развитие французской реалистической литературы внесли романы Стендаля и других мастеров слова.

Ванглийской реалистической литературе необходимо в первую очередь назвать Чарлза Диккенса, Уильяма Теккерея, Томаса Гарди и других.

Реалистичны драмы немецкого драматурга Г. Гауптмана, норвежца Г.Ибсена. Реализм был великим достижением словесного искусства, можно сказать, что

настоящий роман родился именно в литературе ХIХ века.

ГЛАВА 11. ИСКУССТВО И ЛИТЕРАТУРА РУБЕЖА ХIХ – ХХ ВЕКОВ

11.1. Живопись импрессионизма

В искусстве последней трети ХIХ – начале ХХ века возникло новое направление импрессионизм (от франц. impression – впечатление). Художники этого направления стремились передать свои мимолетные впечатления и наиболее естественно запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости.

Важную роль в формировании живописи импрессионизма сыграли художники так называемой барбизонской школы, возникшей в деревне Барбизон близ Фонтенбло. В середине ХIХ века барбизонцы Т. Руссо, Ж. Дюпре, К. Тройон основали национальную школу пейзажной живописи, отказавшись от традиционного классицистического пейзажа Пуссена с обязательными руинами, аллегорическими фигурами, строгим композиционным построением. В основу своего творчества они положили «пейзаж настроения», изображение родной природы и ее постоянно меняющегося состояния. Барбизонцев объединил стиль, состоящий в передаче взаимодействия цвета и света, предмета и пространства и общий художественный метод, состоящий в зарисовках непосредственно с натуры. Барбизонцем в строгом смысле слова не был Камиль Коро (1796–1875), но именно его искусство стало связующим звеном между классической традицией и импрессионизмом. В его картинах «Воз сена» (1860-е), «Порыв ветра» (1864 г.), «Купание Дианы» (1870-е гг.) переданы настроения природы в предрассветные часы, сумерки, при закатах и восходах солнца. Он использовал технику раздельных мазков, что уже можно было считать началом импрессионизма.

106

Особую роль в формировании импрессионизма сыграло творчество Эдуарда Мане (1823–1882). В большинстве его работ, таких, как «Завтрак на траве» (1863 г.), «Олимпия» (1863 г.) отсутствовало действие, даже минимальная завязка сюжета, что отражало типичную для эпохи особенность – сведение сюжета к мотиву. Трудно было определить жанр его картин: они объединяли портрет и бытовую сцену либо бытовую сцену и пейзаж. Порой плоскостные картины Мане напоминали лубок, с той лишь разницей, что в лубочной живописи присутствовали чистые тона, а Мане намеренно усложнял полутона, его поклонники восхищались великолепными пятнами и своеобразной элегантностью изображений. Живопись Мане сравнивали с японскими гравюрами.

Мане был лидером батильонской школы, получившей название по местоположению на улице Батильон кафе, где любили собираться художники. Эта группа, куда входили К. Моне, О. Ренуар, К. Писсарро, Э. Дега составила впоследствии ядро импрессионистов.

Само название импрессионизма обязано своим происхождением пейзажу Клода Моне «Впечатление. Восход солнца», показанному в 1874 году на выставке. «Впечатление» по-французски звучит, как «импрессия».

Всех импрессионистов объединяло неприятие консерватизма и академизма в искусстве и субъективное переживание света и пространства. Особое внимание к свету

итщательный анализ цвета повлекли за собой изменение техники живописи: импрессионисты наносили на холст краски чистых тонов раздельными мазками, что зрительно растворяло форму в окружающей световоздушной среде, художники отказались от четкого рисунка и строгого контура.

Импрессионисты провели восемь выставок, последнюю в 1886 году, исчерпав этим десятилетием историю импрессионизма, после чего каждый пошел собственным путем Клод Оскар Моне (1840–1926) был не только одним из создателей импрессионизма

икрупнейшим мастером живописи, он признанный теоретик нового направления, сформулировавший его принципы, разработавший программу пленэра (работу на природе, а не в мастерской) и новую живописную технику.

Расцвет творчества Моне пришелся на 70-е годы, когда он жил в Аржентее. Здесь им были написаны такие шедевры импрессионистического пейзажа, как «Регата в Аржентее», «Маки», «Парусные лодки». Палитра Моне полностью избавилась от темных тонов, приобретя радость, свежесть и ослепительное богатство света. Озаренные солнцем, овеянные свежим ветром изображения Сены – настоящие поэмы воды и света.

Известная картина «Осенний свет а Аржентее» (1873 г.) не содержит ни рассказа, ни нравоучения, а только отражение в красках зрительных впечатлений и ощущений художника. Расположив вплотную друг к другу контрастирующие цвета, например, теплые красные и оранжевые рядом с холодными синими, Моне передал чувство тепла

исвежести, столь свойственные погожему осеннему дню. Моне стремился писать так, чтобы зритель, глядя на картину, чувствовал то же, что чувствует художник в момент ее создания. Пушистость облаков передана мягкими округлыми мазками, а тронутая рябью поверхность реки – короткими поперечными штрихами кисти. Голубая водная гладь «уносит» взгляд по течению. Пышная листва, обрамляющая реку, направляет взгляд зрителя, а голубой цвет, постепенно высветляясь, усиливает впечатление дали. Издали полотно словно светится, оно все пронизано ясным солнечным светом и переливается золотистыми красками осени. В левой части картины розовые и желтые мазки оттенены зелеными. Это одна из первых работ, где Моне использовал всю палитру основных цветов солнечного спектра, что и стало отличительным признаком импрессионизма.

107

Эта картина предвосхищает знаменитую серию «Кувшинок», написанных в саду художника в Живерни, неподалеку от Аржантея, где он устроил знаменитый пруд с кувшинками, чтобы можно было в любое время наблюдать водную гладь, отражающую небо, и все изменения света в течение дня.

Стихия света, в котором формы и краски обретали новую жизнь, вторглась и в городские пейзажи художника, как, например, в изумительном «Бульваре Капуцинов» (1873 г.), где брошенные на холст мазки передают и уходящую вдаль перспективу оживленной улицы, и движущийся по ней бесконечный поток экипажей, и веселую праздничную толпу. Густая синеватая тень, отброшенная домом, из окна которого писал пейзаж Моне, заставляет солнечную сторону улицы сиять и излучать тепло.

В80-90-х годах Моне, в погоне за мгновением, писал серии видов одного и того же места – «Стога», «Тополя», фасады Руанского собора, лондонский туман. Формы предметов на этих полотнах растворяются в тончайших переливах света.

Многие достижения импрессионистов связаны с творчеством Пьера Огюста Ренуара (1864–1919), вошедшего в историю искусства как «живописец счастья». Он создавал на своих картинах особый мир пленительных женщин и безмятежных детей, радостной природы и прекрасных цветов.

Втечение всей жизни Ренуар писал пейзажи, но его истинным призванием оставалось изображение человека. Он любил рисовать жанровые картины, где с поразительной живостью воссоздавал суету парижских улиц и бульваров, праздность кафе и театров, оживленность загородных прогулок и праздников. Его картины, большей частью написанные на пленэре, отличает особая светозарность и звучность цвета, отчего полотна Ренуара остались памятником самого оптимистического отношения к миру.

Картина «Мулен де ла Галлет» (1876 г.), на которой изображен народный бал в саду монмартрского танцзала, не только шедевр, но во многом программное

произведение импрессионизма. Общий взгляд улавливает прежде всего живой ритм танца, мелькание юных лиц: ощущение динамики создается ритмом цветовых пятен на поверхности холста. Интересна композиция картины – первый план дан как бы сверху, поэтому сидящие на террасе персонажи не заслоняют танцующих. Подвижность света и цвета в этой картине выражает радость бытия.

«Портрет Жанны Самари», актрисы театра «Комеди Франсез», стал своеобразным манифестом импрессионистического портрета. Мазки, как бы произвольно положенные на холст, создают формы, тени отливают синевой, глаза актрисы таинственно блестят, завораживая своей глубиной.

80-е годы в творчестве Ренуара знаменуют начало нового этапа: в работах этого периода меняется колорит – от голубовато-синих тонов, которые доминировали в его импрессионистических полотнах, Ренуар переходит к красным, золотистым, зеленоватым. В такой манере написаны наиболее известные из его картин – «Танец в Буживале», «У моря», «Зонтики» и «Завтрак гребцов», которую многие исследователи считают итоговым импрессионистическим произведением, т.к. после нее Ренуар обратился к приемам старых мастеров.

С середины 90-х годов искусство Ренуара вступило в новую, заключительную фазу, отмеченную редким стилистическим единством, но узостью тематики по сравнению с импрессионистическим периодом. Художник особенно охотно пишет обнаженную или полуобнаженную натуру на фоне природы, и эти работы являются самыми совершенными и классическими его созданиями. «Большие купальщицы», «Спящая», «Девушка в соломенной шляпе», «Габриэль с розой» и другие картины предвосхитили дальнейшие творческие искания художников конца ХIХ – начала ХХ веков.

108

Импрессионизм – чисто французское явление в живописи, которое стремилось фиксировать отдельный миг природы, но, декларируя эстетическую ценность мимолетного случайного впечатления, они оказались в плену натуралистического мышления, заменив живопись внешним, поверхностным наблюдением за предметом, абстрагируя его от всех пространственно-временных смысловых связей.

11.2. Постимпрессионизм

Как художественное течение импрессионизм быстро исчерпал свои возможности,

ина смену ему пришел постимпрессионизмм, представленный крупнейшими живописцами – П. Сезанном, В. Ван Гогом, П. Гогеном, Ж. Сера, А. Тулуз-Лотреком и некоторыми другими. Главное отличие этих художников от ранних импрессионистов заключалось в отсутствии единой эстетической концепции, в их разобщенности, хотя их искусство тоже базировалось на визуальном восприятии мира, кроме того, они в своих картинах стремились запечатлеть не мгновение, в вечность. Они расширили маленький мирок импрессионистов до масштабов Вселенной: если мир импрессионистов растворен в меняющейся световоздушной атмосфере, в солнечных бликах, то в картинах постимпрессионизма подчеркнута весомость предмета, четкая линия горизонта, объемность: деревья – не иллюзия листвы, а обобщенная масса; структура зданий не размыта, а подчеркнута. У постимпрессионистов появились четкие

ижесткие контуры рисунка, объем взаимодействует с пространством, в отличие от

плоскостности, как это было в картинах Мане. От импрессионистов у их последователей осталась воздушная среда и синие (не черные) контуры, нарушение линейной перспективы, когда дальний план как бы выдвигается вперед и мягкий, праздничный колорит.

Величайшим художником постимпрессионизма, родоначальником экспрессионистской живописи ХХ века является голландский художник Винсент Ван Гог (1853–1890).Это был художник, создававший максимально яркие образы путем синтеза рисунка и цвета, упорядоченный мазок казался ему недостаточным для передачи своего выражения (экспрессии). Техника Ван Гога – это точки, запятые, вертикальные черточки, сплошные пятна. Он менял свою технику иногда даже в пределах одной картины, поскольку каждый предмет впечатлял его по-разному. Сам экспрессивный, Ван Гог видел мир как неустанный круговорот, как вечное движение. Его дороги, грядки и борозды действительно убегают вдаль, а кусты горят на земле, как костер. Он изображал не один миг, а непрерывность мигов. Все случайное Ван Гог умел претворить в космическое, в этом и была главная особенность его творчества.

Еще большей выразительностью, чем техника письма, обладает колорит красок Ван Гога. Его душа требовала неистовых красок, он любил ярко-желтый цвет. Желтая, мажорная гамма - от нежно-лимонной до ярко-оранжевой – была для него символом солнца, ржаного колоса, «благовестом христианской любви». Эти краски бушуют в его знаменитых «Подсолнухах», «Сеятеле», «Красных виноградниках» (все 1888–1889). Синяя гамма – от голубой до иссиня-черной – казалась ему цветом холодной, бесстрастной вечности, ночного неба, смерти: «Хлеба и кипарисы», «Дорога в Провансе», «Терраса кафе ночью», «Звездная ночь» (все 1889–1891).

На полотнах Ван Гога обыденные предметы, люди, пейзаж становятся носителями сокровенных мыслей и чувств художника, передают его эмоциональное состояние; природа предстает в одухотворенном виде.

Винсент Ван Гог писал много портретов, одним из лучших считается «Портрет доктора Гаше» (1890 г.). Композиция портрета, на котором сидит, подперев голову рукой, врач Ван Гога Поль Гаше, построена по диагонали, букет цветов, край стола, наклон фигуры подчеркивают это. Прихотливо положенные мазки, создающие фон и

109

силуэт персонажа, вызывают ощущение внутреннего беспокойства, напряженности, раздумья, что придает портрету философский смысл. Ван Гог написал несколько автопортретов, в которых чувствуется стремление к самоанализу, изображение в них доведено до такого напряжения, что эти произведения превращаются в отчаянную попытку диалога с самим собой и со зрителем. Это и «Автопортрет с трубкой» (1886 г), созданный в манере голландского реализма и «Автопортрет за мольбертом» (1888 г.), выполненный в мазочной технике и импрессионистском стиле, в светлых тонах и порывистом прикосновении кисти. Самый известный – «Автопортрет с перевязанным ухом», написанный в 1889 году, после размолвки с Гогеном, на которую он отреагировал неожиданным образом: отрезал себе мочку уха. Это первое буйное проявление душевного расстройства, которое в июле 1890 года приведет его к самоубийству.

Другой художник, творчество которого относится к постимпрессионизму, Поль Гоген (1848–1903) совмещал в своих работах действительность и миф, создавая непосредственную и чистую реальность. Испытав в начале творчества влияние Писсарро, он начал искать свой собственный путь и вскоре создал свой синтетический метод, в котором придавал большое значение выразительности языка, цвета, символике линий и поверхностей. Его художественные поиски предвосхитили абстракционизм. В своих ранних картинах Гоген стремился добиться компактности и простоты форм, для чего использовал упрощенные контуры и строгую композицию. Испытывая влияние японской гравюры, он отказался от моделировки форм, сделав более выразительными рисунок и колорит. В своих картинах Гоген стал подчеркивать плоскостный характер живописной поверхности, лишь намекая на пространственные отношения и решительно отказываясь от воздушной перспективы, строя свои композиции как последовательность плоских планов. Его современник, художник Эмиль Бернар выработал новый стиль, произведший на Гогена сильное впечатление, – клуазонизм (от слова «перегородка»), основанный на системе ярких цветовых пятен, разделенных резкими контурами. Гоген применил это открытие в «Видении после проповеди, или Иаков, борющийся с ангелом» (1888 г.), где перспектива и пространство полностью исчезли из картины, уступив место цветовой разработке поверхности.

На Таити, где Гоген окончательно поселился в 1895 году, он обрел свой стиль и манеру письма, заимствуя многие мотивы своих картин из древних культур – египетской, греческой и яванской. На его полотнах в бесконечном пространстве, наполненном лиловыми, голубыми и изумрудными пятнами, сохраняются четкие контуры, гармоничные строения и форма предметов. Особенность «таитянского» Гогена состоит в ярко выраженной декоративности, стремлении закрашивать одним цветом большие плоскости холста, в использовании линейного контура, в любви к орнаментике, которая присутствовала и на тканях одежд, и на коврах, и в пейзажном фоне. Изображения приобретают монументальность, делая туземцев идеалом человеческой красоты. Прекрасные люди, связанные с природой телом и духом, становятся главными героями картин. Его «Таитянки» (1892 г.), «Женщина, держащая плод» (1893 г.), созданные после первого посещения Таити в 1891 году, отражают идеал естественного человека, не тронутого цивилизацией, слившегося с древними корнями человечества. В 1897 году он создает полотно, которое можно считать своего рода душевной исповедью художника «Откуда мы? Кто мы? Куда мы идем?», в нем прославлено царство первозданного единства природы, человека и божества.

Поздние работы Гогена, необычайно интенсивные по колориту, проникнуты лиризмом, безмятежностью, гармонией и красотой, и в них никак не обнаруживаются страдания, которыми были отмечены последние годы жизни художника.

110

Открытия, сделанные постимпрессионистами в живописи, оказали воздействие на развитие некоторых течений в западноевропейском искусстве ХХ века – фовизма, кубизма, экспрессионизма, абстракционизма, сюрреализма и других.

11.3. Литература рубежа веков

В литературе на рубеже Х1Х-ХХ веков происходят не менее интересные процессы, чем в изобразительном искусстве. Если в эпоху Просвещения появился жанр философского романа, в романтизме - жанр исторического романа, а в реализме – социально-психологического, то в литературе рубежа веков появляется интеллектуальный роман.

Для интеллектуального романа характерны следующие черты: присутствие философского начала, которое зачастую реализуется в форме притчи, являющейся одним из средств выражения морально-философских суждений автора. В таком романе чаще всего присутствует аллегория, для него характерны также емкость обобщений, литературные реминисценции, стилизация и даже мистификация. Концептуальное начало в образном мышлении проявилось в творчестве таких писателей, как А.Франс, Б.Шоу, Г.Ибсен, Т. Манн, Г.Уэллс, К. Чапек, и многих других мастеров слова.

Одним из первых писателей интеллектуального жанра является Анатоль Франс (1844-1924), настоящее имя Анатоль Тибо, родившийся во Франции. Его знаменитый роман «Остров пингвинов» (1908г.) поднимает проблемы смысла жизни человека в ХХ веке. Роман сложен по жанру: это фантастико-философская историческая повесть. Роман пронизан иронией, напоминает вольтеровские произведения. Выдержан в традициях литературы Просвещения. В романе много условности: вместо людей действуют пингвины, в процессе своей эволюции превращающиеся в людей (пародия на теорию Дарвина). Они не знали горя, пока были птицами, но стоило Святому Маэлю их окрестить и приобщить к роду человеческому, как их безмятежному существованию пришел конец. Став людьми, пингвины овладели благами цивилизации, что привнесло в их душу зависть, ревность, ненависть друг к другу, т.е. им стали присущи все худшие человеческие качества. Потом начинается дележ земли, сопровождаемый алчностью и убийствами ближних. Позже на острове было организовано государство, законодательно лишив бывших пингвинов свободы, обременив их непосильными налогами. Когда собственные земли были разорены, пингвины стали вторгаться в соседние государства, начались религиозные, захватнические войны. Историю острова Франс проследил до своей современности – 1908 года. В Новом времени царят коррупция, политические интриги, социальные конфликты, заканчивающиеся победой правящих кругов. Исследовав историю рода человеческого, автор приходит к выводу о том, что в процессе своей эволюции человек деградировал, превратился в своеобразного «пингвина», стал растленным, тупым, агрессивным. Повинны в этом такие общественные институты, как суд, армия. Церковь. Они сформировали человека безвольного, компромиссного, подлого. Войны, прошедшие через историю человечества только деморализовывали личность, приводили человека к биологическому оскудению. В чем же смысл бытия в ХХ веке? Франс ответил – в уничтожении того мира, который гнетет человека, не дает ему возможности совершенствоваться. Однако на руинах старого мира автор строит точно такое же несовершенное общество. Франс не увидел позитивного будущего и призвал читателя задуматься над поисками выхода из социального и нравственного тупика.

Подобные проблемы поднимала и драматургия этого периода. Появляются интеллектуальные пьесы, зовущие поразмышлять над всем увиденным на театральных подмостках. Это пьесы Б. Шоу, такие, как «Профессия миссис Уоррен», «Дом, где разбиваются сердца», пьесы Б.Брехта, осваивавшего литературный опыт Г.Ибсена,