27. Искусство и архитектура Древней Греции

Микенская культура. Хорошо известен быт богатых людей. Развитие городской жизни способствовало стремлению к комфорту и благоустроенности. Например, появляются ванны: у обеспеченных — большие, стационарные, у людей победнее — переносные, из обожженной глины ( терракоты ). Очень ценится чистая вода, поэтому во дворцах проложен водопровод. Над очагами из обожженной глины выкладываются дымоходы. Существовала мебель, известная по изображениям. Женщины для украшения лица применяли краски — прообраз косметики, причесывались гребнями из слоновой кости, создавая прически, известные по фрескам, из пышно взбитых локонов или заплетенных кос. Мужчины перевязывали длинные волосы лентой и носили бороды, а усы и бакенбарды сбривали бронзовыми бритвами. Появление моды в одежде свидетельствовало об особой склонности к утонченной роскоши у богатых людей, стремившихся сделать свою жизнь более красочной и интересной.

Накапливаются знания в различных областях науки. В линейном письме Б уже имеются символы, обозначающие цифры. Зафиксирована трепанация черепа; известно терапевтическое лечение больных травами, например мятой. Возникает музыка, носившая сакральный характер. В микенскую эпоху с появлением царских дворцов рождается и новый вид светской музыкальной культуры — творчество рапсодов , сказителей-песенников, которые на пирах под музыкальное сопровождение читали эпические произведения. Таким рапсодом был знаменитый Гомер. Простейшими инструментами были всем известные лира и флейта. Существовали и танцы: некоторые носили были сильно ритмизованы и эксцентричны, в них можно угадать прообраз будущих дионисийских плясок. Были танцы и более спокойные, плавные, когда юноши и девушки водили хороводы.

Изобразительное искусство. Грань между гомеровской и архаической эпохами в искусстве характеризуется геометрическим стилем , ярким примером которого является Дипилонская амфора , найденная в Афинах. Подобные вазы являлись надгробными памятниками и их размеры достигали человеческого роста. Поверхность вазы членится на ряд изолированных друг от друга лент, в центре композиции изображена погребальная процессия, в которой человеческие фигурки предельно схематизированы. Геометрический стиль не мог привести к расцвету вазописи, возникшей в VI–V вв. до Р. Х., и должен был завершиться тупиком декоративизма. Между геометрическим стилем и вазописью последующего времени — резкий скачок, невозможный без внешнего влияния, скорее всего, со стороны Востока, давшего импульс развитию греческого искусства. Восток, несмотря на его сильное влияние в области философии и культуры Греции, не стал основой греческого искусства, которое формировалось своим путем как самобытное и самостоятельное.

Вазопись нового стиля берет начало в VI в. до Р. Х., это чернофигурная роспись, наносившаяся на сосуд черной краской. Первоначально сюжеты росписей связаны с мифологией. Затем возникает краснофигурная вазопись, когда изображения на сосуде оформляются за счет раскрашивания фона, а фигуры сохраняют изначальный цвет стенок сосуда. Эта роспись, более сложная по технике, дает возможность изобразить мелкие детали. В позднее время чернофигурная и краснофигурная керамика сосуществовали.

В скульптуре появляются «архаические аполлоны» , или куросы — обнаженные молодые люди, изображенные с выставленной вперед ногой, руки по швам, кулаки иногда сжаты. У фигур — фронтальная постановка, четко прослеживается анатомическое строение тела. Куросы являют собой общий тип человека без индивидуальных черт. В архаическую эпоху появляются аналогичные изображения женщин, кор , во фронтальном положении, облаченных в длинные одежды, в которых большую роль играют складки. Наибольшую известность получила статуя Геры с о. Самос ( VII–VI вв. до Р. Х.). До IV в. до Р. Х. греки редко изображали женщин, потому что для них образ истинной гармонии духа и тела являл находившийся в центре внимания художников мужчина. На лицах всех скульптур изображалась знаменитая загадочная «архаическая улыбка», подчеркивающая не конкретные черты статуй, но воплощенный в них идеализированный образ человека, который становится мерилом основных ценностей для эпохи классики.

«Старшей» тирания архаического периода называется в отличие от «младшей», возникшей в эпоху поздней классики ( IV в. до Р. Х.).

Изобразительное искусство. Скульптура. Искусство высокой классики достаточно полно характеризуют слова Перикла, стратега, стоявшего пятнадцать лет во главе Афин: «Мы любим красоту без прихотливости и мудрость без изнеженности». Мудрый Солон выразился еще короче: «Ничего лишнего». Это и были основные принципы, положенные в основу греческого искусства.

Статуи не были принадлежностью музеев и устанавливались в храмах, на площадях под открытым небом, в многолюдных местах, и прохожие воспринимали их как часть повседневной жизни. Скульптуры обычно раскрашивались яркими красками, соответственно и воспринимались. Идеализированный образ белоснежных статуй возник лишь в эпоху Возрождения. Кроме того, большинство греческих статуй известно по римским копиям порой не лучшего качества, поскольку подлинники не сохранились. В эпоху классики портретное искусство не выработалось: в скульптурах внимание уделялось прежде всего пластике тела, а не выражению лица.

Одним из первых крупных скульпторов классической эпохи был Поликлет, написавший особое сочинение — «Канон». Художник интересовался проблемой формы, заложенной в каждой статуе, и в «Каноне» попытался выявить основные элементы, из которых состоит человеческое тело, подчинить их определенному числовому соотношению. Поликлет максимально формализовал искусство, ища общезначимые законы пропорций, а статую Дорифора (копьеносца) создал в качестве иллюстрации своего сочинения. В копьеносце все выверено с математической точностью: например, голова составляет 1/8 высоты фигуры, кисть руки — 1/10. Это абсолютная, страшная в своем совершенстве, систематизированность реализована в статуе, обладающей тем не менее живой пластикой за счет приема, называемого хиазмом , благодаря которому до конца непонятно, движется Дорифор или нет. Правой ноге, немного отставленной назад, противоположена левая рука с зажатым в ней копьем, а левой ноге, на которую пришелся вес тела, противостоит свободно висящая правая рука: если провести линии вдоль плечевого пояса, скошенного влево, и пояса бедер, который скошен вправо, они пересекутся, образовав букву «Х». Это и есть хиазм — прием, применявшийся не только в скульптуре, но и в архитектуре и даже литературе как фигура речи .

Другим известным скульптором V в. был Мирон , художник, в противоположность Поликлету пытавшийся передать напряженное движение. В статуе «Дискобола» сжатая энергия достигается за счет пластики рук и ног, а не всей фигуры: торс у дискобола фактически неподвижен. Статую можно рассматривать лишь с определенной позиции: она не объемная в полной мере, поскольку у нее рельефный характер.

Другая скульптурная группа Мирона — «Афина и Марсий» . По преданию, Паллада сделала флейты, но когда стала играть в присутствии богов, ее осмеяли, так как у богини смешно раздувались щеки. Она обиделась и бросила, прокляв, флейты, которые подобрал бог плодородия силен Марсий, научившийся в совершенстве на них играть. Он возгордился и вызвал на музыкальное состязание самого Аполлона, который, победив Марсия, жестоко расправился с флейтистом, с живого содрав кожу. Мирон изобразил сцену, когда Афина только бросила злосчастный инструмент, а Марсий его заметил и собирается подобрать. Психологический центр группы — флейты между двумя героями. Движение Марсия разрывается среди двух импульсов: хочется жадно схватить, но с другой стороны — в страхе отпрянуть, а Афина уже собирается уйти, но медленно и угрожающе оглядывается.

8. Изобразительное искусство. Архитектура. В классическую эпоху разрабатывается принцип ордеров. Ордер   в архитектуре — определенное сочетание несущих и несомых частей стоечно-балочной конструкции, их структура и художественная обработка. В период классики появляется три основных ордера: дорический, ионический и коринфский , которые легли в основу европейской архитектуры XVI–XIX веков. Разница между ними лучше всего иллюстрируется на примере колонн этих ордеров. Дорическая колонна простая и строгая, покрыта продольными желобками — каннелюрами, ее капитель (венчающая часть) сделана в виде каменной подушки без украшений. Это суровый стиль, в архитектуре его отождествляют с мужским характером и в дорических храмах колонны могли заменяться статуями атлантов . К дорическим относится храм Посейдона в Пестуме (ок. 460 г. до Р. Х.).

В ионическом ордере, возникшем, вероятно, под восточным влиянием, колонны прямые, практически без энтазиса (небольшого утолщения посередине, обязательного для дорических колонн) ; пропорции сооружений облегчены, им свойственны и легкость, и изящная утонченность. Капители сделаны в форме двух тугих завитков, волют . Ионический ордер в противоположность дорическому соотносили с женским началом — недаром волюты сравнивали с женскими локонами, а сами колонны иногда заменялись статуями девушек, кариатид . В таком духе был оформлен один из портиков Эрехтейона , храма, воздвигнутого на месте легендарного спора Афины и Посейдона на афинском акрополе.

В коринфском ордере колонны венчались стилизованными листьями аканфа. По преданию архитектор, впервые применивший этот ордер, увидел на могиле одной девушки корзину с ее любимыми игрушками, принесенную на кладбище безутешной кормилицей. Корзину опутали проросшие сквозь нее листья аканфа — картина, вдохновившая художника.

Вершиной зодчества классического периода стал архитектурный комплекс афинского Акрополя , являвшегося одновременно святилищем, укреплением, общественным центром, местом хранения государственной казны, картинной галереи и библиотеки. Окончательное оформление Акрополь получил при Перикле. Иктин и Калликрат перестроили Парфенон , святилище Афины, а Фидий в центре Акрополя воздвиг ее огромную статую с тем расчетом, что отблеск острия копья Паллады будет издали виден подплывающим к городу кораблям. В архитектуре Акрополя соединены два ордера : ионический и дорический. Этот комплекс неразрывно связан с окружающим ландшафтом, что вообще характерно для строительства классической эпохи. Храм не противопоставлялся природе, а сливался с нею, и нынешняя резко контрастная белизна античных храмов — результат губительного действия времени, поскольку они, как и статуи, раскрашивались: вертикальные части — черным цветом, а гор­изон­таль­ные — крас­ным ; теперь все краски стерты. Входом на Акрополь служили Пропилеи , выстроенные архитектором Мнесиклом , слева от них была  Пинакотека, первая картинная галерея, а справа — храм Ники Аптерос (бескрылой) ; крыльев ее лишили для того, чтобы богиня победы никогда не покидала город. На самом Акрополе возвышались вышеназванные Парфенон и Эрехтейон, хиастически расположенные по отношению к Пинакотеке и храму Ники Аптерос. Если провести две линии «Парфенон — Пинакотека» и «Эрехтейон — храм Ники», то они пересекутся в виде буквы «Х», — сочетание разнородных по конструкции построек, гармонически уравновешенных хитроумной планировкой.

Афины с VI в. до Р. Х. стали символом высших достижений греческой культуры. Сюда стремились художники, поэты, скульпторы ; даже поэт Пиндар , происходивший из Беотии и всегда относившейся к этому городу враждебно, писал: «Блестящие, увенчанные фиалками, воспетые славные Афины, опора Эллады, божественный город». А один из острых на язык современников констатировал: «Если ты не видел Афин, то ты пень, если видел и не был восхищен, то ты осел, а если по своему желанию их покинул, то ты верблюд». Верблюд было одно из самых обидных прозвищ в античности.

Изобразительное искусство. В отличие от предшествующих эпох, искусство поздней классики тяготело к конкретности переживаний и в этом смысле предваряло эпоху эллинизма, в которой большую роль играл индивидуализм. Вообще выдвижение влиявших на ход исторических событий личностей, таких как Алкивиад, Лисандр, тоже свидетельствовало о новой эпохе, когда греки уже не сознавали себя частью гражданского коллектива. Исчезали принципы коллективизма, и на первый план выдвигались чувства, эмоции и заслуги индивидуума. Искусство отразило эту неустойчивость, тревожность, ощущение будущей трагедии греческого мира.

Наиболее крупным скульптором IV в. был Пракситель , пользовавшийся большой известностью уже в древности. Одна из его самых известных скульптур — «Гермес с младенцем Дионисом» . Гермес несет Диониса на вос­пи­та­ние ним­фам и в не сохранившейся правой руке держит кисть винограда, которой как бы дразнит маленького бога. В скульптурах Праксителя и его подражателей исчезает образ мужественного гармонически развитого атлета, созданный Поликлетом и Мироном. Гермес Праксителя — изнеженный юноша, не развитый физически, в нем подчеркивается женственная красота. Для скульптора важна не столько конкретная ситуация, сколько обобщенный образ «расслабленного досуга». Гермеса не интересует Дионис, поскольку его отвлеченный взгляд устремлен в другую сторону и не выражает пристального внимания к младенцу.

Другая скульптура Праксителя — «Отдыхающий сатир» . Перед зрителем обыкновен­ный молодой человек, и его принадлежность к сатирам выдают только козлиные уши. Известно около 70-ти подражаний этой статуе. Отличие скульптур поздней классики от прежнего времени состоит в том, что они нуждаются в опорах. Если убрать столб, на который опирается сатир, то статуя упадет, тогда как скульптуры ранней эпохи в своем роде крепко стояли на ногах. Дорифор Поликлета — сбалансированная фигура, сохраняющая равновесие благодаря гармоничному сочетанию отдельных элементов. Теперь дополнительная опора — неотъемлемая часть композиции. Названные статуи Праксителя дошли в подлиннике, что редко случалось, поскольку большинство греческих скульптур сохранилось лишь в римских копиях.

Еще один шедевр Праксителя — «Афродита» . Доведение до совершенства женственной красоты логически вело к изображению обнаженной женской натуры. В V в., в эпоху высокой классики, не было принято изображать обнаженных женщин, но у Праксителя этот переход естественен: у него чувствуется мягкость и теплота лепки, умело использована игра светотени, «волшебная симфония белого и черного», по выражению современного французского скульптора Родена . Пракситель раскрашивал статуи, втирая в них особые вещества, благодаря котором его произведения приобретали телесный матовый оттенок. У «Афродиты» была интересная предыстория. Пракситель высекал ее по заказу жителей острова Кос, но когда завершил свой труд, заказчики были весьма смущены и попросили сделать Афродиту одетой, а эту статую купили жители острова Книд, почему она теперь называется «Афродита Книдская» . Статуя получила широкую известность, и ради нее паломники специально ездили на Книд. Пракситель изготовил скульптуру, исходя из ее определенного расположения в храме в виде широкой арки, открытой лишь с двух сторон, поэтому Афродиту можно осмотреть лишь спереди или сзади — она не рассчитана на обзор с любой точки.

Вторым видным скульптором поздней классики был Скопас  — полная противоположность Праксителя. Его танцующая «Менада» представляет собой целый сгусток энергии, «воплощенную бурю», по выражению современников. Менады — вакханки в римской традиции — женщины, сопровождавшие Диониса и участвовавшие в его оргиях. По описанию античных авторов, в несохранившихся руках менады находились: в одной — растерзанный козленок, в другой — нож, поскольку изначально при отправлении культа жертвенные животные Диониса живыми разрывались на части. Статуя не сохранилась в подлиннике, дошли только небольшие по размерам копии-статуэтки. Менада окончательно утрачивает и без того уже хрупкое в искусстве Праксителя равновесие и символизирует победу дионисийского начала у Скопаса. Менада похожа на язык пламени, изогнутый лук, развернувшуюся пружину — в ней скульптор ухватил краткий, но очень яркий момент, отразившей стихийный порыв пришедшей в исступление женщины.

Скопас украшал одно из семи чудес света — гробницу лидийского сатрапа Мавзола, откуда и происходит слово «мавзолей». Полностью она не сохранилась, поэтому до сих пор точно неизвестно, какие рельефы на гробнице принадлежат Скопасу, а какие нет.

Третий крупный мастер поздней классики — Лисипп , подведший итог скульптуре Греции классического периода. По преданию, Лисипп после изготовления очередной статуи клал в копилку золотую монету. В конце его жизни, когда копилку разбили, в ней оказалось полторы тысячи монет. Сам же Лисипп любил говорить, что изображает людей не такими, какие они есть, но такими, какими кажутся. Действительно, у него было поразительное оптическое, а не пластическое восприятие скульптуры как искусства. Самая знаменитая статуя скульптора, изготовленная из бронзы, — «Апоксиомен» , юноша, счищающий с себя скребком грязь после состязаний (перед соревнованиями борцы растирались маслами и после борьбы становились грязными). Юноша не такой изнеженный, как у Праксителя, — физически развитый, но в то же время изящный. В скульптуре подчеркивается не физическая мощь, а благородное сочетание физического развития и внутренней утонченности. Возможно, это не обобщенный образ, а портрет конкретного лица. Лисипп — мастер схватывания мгновенного действия человека, но не столь эксцентричного, как у Скопаса. В Апоксиомене это достигается за счет небольшой детали: юноша держит скребок в левой руке, а не в правой, что придает статуе особое движение. Апоксиомен рассчитан на созерцание со всех сторон, поскольку статуя трехмерна, в отличие от произведений Мирона и в какой-то степени Праксителя, и с различных точек наблюдения представляет собой что-то новое. Лисипп как бы рождает статую изнутри, тогда как обычно статуя «освобождается» из блока мрамора под ударами резца. Возможно, такой эффект достигался за счет материала скульптуры — бронзы.

Новое искусство постепенно готовит переход к эллинизму, который ознаменуется потерей Грецией политической, но не духовной и не культурной независимости. Греция перестанет существовать как суверенное государство, но ее духовное влияние будет долгое время сохраняться среди средиземноморских и некоторых восточных государств.

В искусстве традиционные направления формировались под влиянием школы Лисиппа, примером чему служит знаменитая Афродита (Венера) Милосская . Ее возвышенно-спокойные черты — последний всплеск окон­ча­тель­но уходящей классики. Статуи и барельефы в эллинистическую эпоху пользовались популярностью, однако увеличение спроса на произведения искусства всегда ведет к появлению огромного количества вещей, рассчитанных на массовое потребление, — прямой путь к упадку настоящего мастерства.

В искусстве, как и в других сферах духовной жизни, шел поиск новых форм. Бесконечное брожение Азии нашло выражение в патетических сюжетах. Символом эллинизма стала Ника из храма в Самофракии . Когда-то она возвышалась на утесе, на берегу моря, складки ее развивавшихся одежд обдавали соленые брызги, Ника трубила в рог, возвещая зарю новой эпохи, а теперь, с поломанными руками и головой, она встречает посетителей Лувра. Большую известность получил алтарь Зевса в Пергаме с фризом длиной 130 м. На нем изображена борьба богов и гигантов — гигантомахия . Поражает сложность композиции, экспрессия, боязнь пустого пространства, тела борющихся переплелись в один громадный вытянувшийся клубок, в котором исчезли классические простота и ясность. Ужас перед лицом варварства и смерти выразила скульптура Лаокоона , по преданию, предсказавшего троянцам гибель от деревянного коня, созданного Одиссеем. Скульптурная группа изображает пророка и двух его сыновей, бьющихся в последних конвульсиях в момент, когда их душит змей, посланный в наказание Аполлоном. Жестоко и невидимо запятнана кровью победа разума.

Для эллинизма характерен вкус к мрачному, болезненному, старческому, уродливому, варварскому. Известны статуи пьяной старухи, галла, убивающего себя и жену, Марсия, с которого содрали кожу, — если Мирон ранее изобразил лишь начало легенды, когда Афина только бросила флейты, а Марсий их подобрал, то теперь художника привлек жестокий финал. Появляются и бытовые зарисовки: крестьянин, пашущий поле, мальчик, играющий с гусем (или душащий его), и др. Суть нового искусства — изображение человека со всеми его земными горестями и скорбями. Однако до настоящего реализма как художественного направления в культуре еще далеко: искусство слишком поверхностно и этнографично.

Развиваются мелкая пластика, декоративно-прикладное искусство: изготавливается огромное количество камей (рельефное выпуклое изображение на камне), — большую известность получила наиболее крупная из древних камея Гонзага с портретом Птолемея II и его супруги , —  инталий (вогнутый рельеф на камне), перстней, печатей, медальонов, не имевших практического применения и являвшихся символом роскоши высших слоев общества.

В эпоху эллинизма не было создано столь целостной и законченной художественной концепции, какая имелась в эпоху классики, и это тоже один из существенных признаков угасания греческой цивилизации в эпоху эллинизма .