из электронной библиотеки / 102239451603964.pdf

150

пластичность, чеканность и ясность линии и объема. Пластическое начало в росписи Микеланджело всегда доминирует над живописным, подтверждая мысль художника о том, что «наилучшей будет та живопись, которая ближе всего к рельефу».

Вскоре после окончания работ в Сикстине умер Юлий II и его наследники возвратились к мысли о надгробии. В 1513–1516 гг. Микеланджело исполняет фигуру Моисея и рабов (пленников) для этого надгробия. По его проекту ученики скульптора потом соорудили настенную гробницу, в нижнем ярусе которой и была помещена фигура Моисея. Образ Моисея – один из самых сильных в творчестве зрелого мастера. Он вложил в него мечту о вожде мудром, смелом, полном титанических сил, экспрессии, воли – качеств, столь необходимых тогда для объединения его родины. Фигуры рабов не вошли в окончательный вариант гробницы. Возможно, они имели какое-то аллегорическое значение (искусство в плену после смерти Папы? – есть и такое их толкование). «Скованный раб», «Умирающий раб» передают разные состояния человека, разные стадии борьбы: мощный порыв в желании освободиться от пут, бессилие («Скованный раб»), последний вздох, замирающую жизнь в прекрасном, но уже коченеющем теле («Умирающий раб»).

С 1520 по 1534 г. Микеланджело работает над одним из самых значительных и самых трагических скульптурных произведений – над гробницей Медичи (флорентийская церковь Сан Лоренцо), выражающей все переживания, выпавшие в этот период на долю и самого мастера, и его родного города, и всей страны в целом. С конца 20-х годов Италия буквально раздиралась как внешними, так и внутренними врагами. В 1527 г. наемные солдаты разгромили Рим, протестанты разграбили католические святыни вечного города. Флорентийская буржуазия свергает Медичи, правивших вновь с 1510г., после смерти Пьетро Содерини, но Папа идет на Флоренцию походом. Флоренция готовится к обороне, Микеланджело стоит во главе строительства военных укреплений, испытывает настроения смятения, отчаяния, уезжает – буквально бежит из Флоренции, узнав о готовящейся измене ее кондотьера, вновь возвращается в родной город, чтобы оказаться свидетелем его разгрома.

Вначавшемся страшном терроре погибли многие друзья Микеланджело, а сам он вынужден был некоторое время жить изгнанником.

Внастроении тяжелейшего пессимизма, в состоянии усиливающейся глубокой религиозности и работает Микеланджело на гробницей Медичи. Он сам сооружает пристройку к флорентийской церкви Сан Лоренцо – небольшое, но очень высокое помещение, перекрытое куполом, и оформляет две стены сакристии (ее внутреннего помещения) скульптурными надгробиями. Одну стену украшает фигура Лоренцо, противоположную – Джулиано, а внизу у их ног размещаются саркофаги, украшенные аллегорическмие скульптурными изображениями – символами быстротекущего времени: «Утра» и «Вечера» – в надгробии Лоренцо, «Ночи, «Дня» – в надгробии Джулиано. Оба изображения – Лоренцо и Джулиано – не имеют портретного сходства, чем отличаются от традиционных решений XV века. Микеланджело подчеркивает выражение усталости и меланхолии в лице Джулиано и тяжкое раздумье, граничащее с отчаянием, – у Лоренцо, считая не обязательным точную передачу черт в лицах моделей. Для него важнее философская идея противопоставления жизни и смерти, облеченная в поэтическую форму. Чувство беспокойства, тревоги исходит от образов Лоренцо и Джулиано. Это достигается и самой композицией: фигуры посажены в тесное пространство ниш, как бы стиснуты пилястрами. Этот беспокойный ритм еще усиливается позами аллегорических фигур времени суток: напряженные изогнутые тела как бы скатываются с покатых крышек саркофагов, не находя опоры, их головы пересекают карнизы, нарушая тектонику стен. Все эти диссонансные ноты, подчеркивающие состояние надломленности, нарушают архитектоническую гармонию Ренессанса и являются предвестием новой эпохи в искусстве.

Вкапелле Медичи архитектурные формы и пластические образы находятся в нерасторжимой связи, выражая единую идею.

Еще Папа Климент VII незадолго до своей смерти, воспользовавшись одним из приездов Микеланджело в Рим, предлагал ему расписать алтарную стену Сикстинской

151

капеллы изображением «Страшного суда». Занятый в то время статуями для капеллы Медичи во Флоренции, скульптор ответил отказом. Павел III тотчас после своего избрания стал настойчиво требовать от Микеланджело исполнения этого замысла, и в 1534 г., прервав работу над гробницей, которую он завершил только в 1545 г., Микеланджело уезжает в Рим, где приступает ко второй работе в Сикстинской капелле – к росписи «Страшный суд» (1535– 1541) –грандиозному творению, выразившему трагедию человеческого рода. Черты новой художественной системы проявились в этой работе Микеланджело еще ярче. Творящий суд, карающий Христос помещен в центре композиции, а вокруг него во вращательном круговом движении изображены низвергающиеся в ад грешники, возносящиеся в рай праведники, встающие из могил на Божий суд мертвецы. Все полно ужаса, отчаяния, гнева, смятения. Даже Мария, предстательствующая за людей, боится своего грозного сына и отворачивается от его руки, неумолимо отделяющей грешников от праведников. Сложные ракурсы переплетенных, закрученных в клубок тел, крайний динамизм, повышенная экспрессия, создающие выражение беспокойства, тревоги, смятения, – все это черты, глубоко чуждые Высокому Возрождению, как чужда ему и сама трактовка темы «Страшного суда» (вместо торжества справедливости над злом – катастрофа, крушение мира).

Живописец, скульптор, поэт, Микеланджело был также и гениальным архитектором. Им исполнена лестница флорентийской библиотеки Лауренцианы, оформлена площадь Капитолия в Риме, возведены ворота Пия (Porta Pia), с 1546 г. он работает над собором св. Петра, начатым еще Браманте. Микеланджело принадлежит рисунок и чертеж купола, который был исполнен уже после смерти мастера и до сих пор является одной из главных доминант в панораме города.

Два последних десятилетия жизни Микеланджело приходятся на тот период, когда в Италии искореняются черты свободомыслия великой гуманистической эпохи Ренессанса. По настоянию инквизиции, посчитавшей непристойным такое количество обнаженных тел во фреске «Страшный суд», ученик Микеланджело Даниеле де Вольтерра записывает некоторые фигуры. Последние годы жизни Микеланджело – это годы утраты надежд, потери близких и друзей, время его полного духовного одиночества. Но это и время создания самых сильных по трагичности мироощущения и по лаконизму выражения произведений, свидетельствующих о его неумирающем гении. В основном это скульптурные композиции и рисунки (в графике Микеланджело был таким же величайшим мастером, как Леонардо и Рафаэль) на тему «Оплакивание» и «Распятие».

Микеланджело умер в Риме в возрасте 89 лет. Тело его было вывезено ночью во Флоренцию и погребено в старейшей церкви родного города Сайта Кроче. Историческое значение искусства

14.3. Возникновение широкого движения Реформации

Кризис католицизма привел к возникновению в начале XVI века широкого движения Реформации, результатом которого явился протестантизм – третье направление в христианстве. Однако признаки серьезного неблагополучия в католицизме отчетливо проявились задолго до Реформации. Главной причиной тому являлось то, что католическое духовенство и папство не устояли перед искушением материальных благ.

Необходимость реформирования христианства и Церкви понимали и сами служители культа, но все их попытки в этом направлении не увенчались успехом.

Главными фигурами Реформации являются немецкий священник, основатель лютеранства

Мартин Лютер (1483-1546) и французский священник Жан Кальвин (1509-1564),

возглавившие бюргерско-буржуазное направление, а также Томас Мюнцер (1490-1525), возглавивший народное крыло Реформации, которое в Германии переросло в крестьянскую войну (1524-1526). В Нидерландах и Англии движение Реформации привело к буржуазным революциям. Точной датой начала Реформации считается 31 октября 1517 г., когда Лютер прибил на дверях своей церкви в Виттенберге листок, содержащий 95 тезисов,

152

направленных против торговли индульгенциями. Лютера Рим обвинил в ереси, отлучили от католической церкви.

Реформация выступала с лозунгом о возврате к самим истокам христианства, сделав вывод, что католическое священное писание является грубым искажением изначального христианства, церковь не имеет права отпускать грехи.

Реформация восстанавливает принцип всеобщего равенства людей перед Богом. Служители Церкви, претендуя на посредническую миссию между простым верующим и Богом, посягают на право каждого непосредственно общаться с Богом. В равной мере каждый верующий должен иметь возможность читать и толковать Священное писание. Так, Лютер отвергал исключительное право папы на единственно верное толкование Библии и перевел Библию с латинского на немецкий язык. По его примеру она была переведена на языки других европейских стран.

Пересмотр места и роли Церкви в религиозной жизни повлек за собой отказ от многих обрядов, таинств и святынь. Были сохранены только те, которые строго соответствуют Писанию: крещение и причастие.

Реформация многими своими сторонами перекликается с гуманизмом Возрождения – она также идет по пути возвышения человека.

Но если гуманизм слишком щедро сближает человека с Богом, объявляет его «вторым богом», человеко-богом и т.д., то реформация сохраняет христианский тезис об изначальной греховности человека. В то же время она наделяет его Божественным началом, Божественным даром и благодатью, которые открывают перед ним реальный путь к спасению.

Существенные различия между Реформацией и гуманизмом:

•отношение к разуму. Вера гуманизма в человека покоилась на вере в его разум. Реформация смотрела на разум весьма критически;

•соотношение человеческого и божественного, что проявилось в идейном споре между Лютером и Эразмом Роттердамским. Первый упрекал второго за то, что «человеческое значит для него больше, чем божественное».

Возникший из Реформации протестантизм включает в себя несколько течений: лютеранство; кальвинизм; англиканство; пресвитерианство; баптизм и др. Однако все они представляют собой религию, которая является удивительно простой, дешевой и удобной.

Вопросы для самоконтроля

1.Что такое эпоха Возрождения? Каковы ее основные ценности?

2.Сравните каждый из этапов эпохи Возрождения. Что привнес Ренессанс в

культуру?

3.Каковы отличия гуманизма и Реформации? Что повлекло за собой течение Реформации?

Лекция 15. Северное Возрождение

Цель изучения темы – познакомить с особенностями развития Северного Возрождения.

Задачи: познакомить со странами Северного Возрождения, особенностями развития

Северным (в странах, расположенных к северу от родины Ренессанса). Его представляют такие страны, как Нидерланды, Германия, Франция, Англия, Испания. Северное Возрождение происходило в период Реформации; в культуре указанных стран в силу исторических причин отсутствовало такое обилие памятников античности, как в Италии.

15.1. Нидерландское Возрождение

крупнейшей провинции; одна из богатых и передовых стран Европы). Хронологически, в эпоху Возрождения, в Нидерландах творили такие известные мастера, как Ян ван Эйк (с его именем связывают новую технику живописи маслом), Питер Брейгель.

В живописи нидерландское Возрождение начинается с «Гентского алтаря» братьев Губерта и Яна ван Эйков, на 12 досках которого представлено 10 сцен, почерпнутых из Апокалипсиса, Библии и евангельских текстов. Впервые в нидерландском искусстве нашли совершенное живописное выражение идея единства человечества и природы, чувство просветленности, восхищение многообразием форм мира.

Фигуры героев Ян ван Эйка доминируют над пространством. Персонажи он наделяет индивидуальной характеристикой, жизненной активностью, сознанием собственного достоинства. На основе реалистического искусства Яна ван Эйка развивалась в дальнейшем нидерландская школа живописи.

Итогом сложной эволюции нидерландского искусства XV-XVI веков стало творчество

Питера Брейгеля Старшего (1525-1569), прозванного Мужицким, так как он первым среди художников Западной Европы обратился к жизни народа, открыв для искусства новые темы

иобразы, мир крестьян, бедняков, бродяг, нищих, калек.

Сименем Брейгеля связывается окончательное сложение пейзажа в нидерландской живописи как самостоятельного жанра. Он тонко чувствовал поэзию сельской природы. Особую славу у потомков заслужил «Зимний пейзаж» (другое название – «Охотники на снегу» (1565), где метко схвачены главные черты зимнего снежного пейзажа с прозрачным морозным воздухом, с тонким орнаментом хрупких ветвей, с далеким пространством заснеженных полей и гор. Четкие угловатые фигуры охотников вносят энергичное движение в заснувшую природу.

Поздние произведения Брейгеля отмечены мрачным раздумьем.

Творчеством Брейгеля завершаются искания нидерландских художников XV–XVI веков. В последних десятилетиях XVI века в нидерландский живописи не появилось ни одного художника, хоть сколько-нибудь равного этому мастеру.

Таким образом, в нидерландском искусстве получили развитие бытовой жанр, портрет, интерьер, пейзаж (Реформация запретила писать картины на религиозные темы, пришлось искать новые направления), в которых проявились типичные для нидерландцев любовь к конкретности изображения, повествовательность, тонкость в передаче настроений.

Существует точка зрения, что их творчество не было возрожденческим. Такого мнения, в частности, придерживается нидерландский ученый И. Хейзинга, относя их творчество к позднему Средневековью.

П.П. Рубенс (1577-1640; (религиозные, мифологические сюжеты, портреты) и Харменс ван Рейн Рембрандт (1606-16694 автопортреты, портреты на мифологические и религиозные сюжеты, групповые).

Крупнейший представитель – Эразм Роттердамский, большую популярность ему принесли сатирические произведения «Похвала глупости», «Домашние беседы» и др. Сатира способствовала воспитанию свободомыслия, стремлению к знаниям.

15.2.Немецкое Возрождение

ВГермании наиболее известным художником Возрождения является Альбрехт Дюрер

(1471–1528, живописец, мастер гравюры на дереве и меди, математик, анатомом, перспективист, инженер), творчество которого развивалось под сильным влиянием итальянского искусства. Он создает глубоко национальные типические образы людей своей страны, полные внутренней силы, волевой энергии, но и сомнений, иногда тяжких раздумий.

В 13 лет он написал первый свой автопортрет. Более поздний "Автопортрет" (1500) становится настоящей удачей и приносит ему широкую известность. В нем проявились основные черты искусства Возрождения: правдивость и достоверность, точный расчет, а также идеализация и возвышение человека.

154

К числу высоких достижений художника относится картина "Адам и Ева", на которой обнаженные тела прародителей человечества вылеплены с редким великолепием, наделены естественными пропорциями и движениями.

Последним живописным произведением Дюрера является полотно "Четыре апостола", состоящее из двух панно, на "каждом из которых изображены по два апостола: на левом – Иоанн и Петр, на правом – Павел и Марк. Каждый наделен яркими индивидуальными психологическими чертами (волевой мужественный Павел, флегматичный, медлительный Петр, философски созерцательный Иоанн и возбужденно действенный Марк – 4 характер, 4 темперамента), в апостолах, в их разных характерах он давал оценку всему человечеству, провозглашал человеческую мудрость, высоту духа и нравственности, выражал надежду на то, что будущее принадлежит лучшим представителям человечества, гуманистам, способным повести людей за собой.

Одной из первых значительных гравюр на дереве является серия "Апокалипсис", состоящая из 15 работ. Наиболее удачными среди них представляются гравюры "Четыре всадника" (изображены четыре апокалиптических всадника, воплощающих конец света) и "Битва архангела Михаила с драконом" (показана страшная битва предводителя небесного войска архангела Михаила с ужасным драконом, воплощающим сатану и дьявола).

Самыми знаменитыми дюреровскими гравюрами на меди являются "Рыцарь, Дьявол и Смерть" (представлен едущий на коне мрачный и суровый рыцарь, которого сопровождают смерть и дьявол. Смысл этой гравюры до сих пор остается загадкой и вызывает споры). "Святой Иероним" и "Меланхолия" (изображена погрузившаяся в глубокую задумчивость крылатая женщина, вокруг которой разбросаны различные предметы и инструменты. В глубине картины видно каменное здание, на стене которого висят песочные часы, весы, колокол и начертан магический квадрат. Парящая в небе летучая мышь несет ленту с надписью: "Меланхолия". Смысл этой гравюры, возможно, заключен в известной библейской формуле: "Умножая знания – умножаем скорбь свою").

Таким образом, немецких художников в отличие от итальянских больше привлекают духовная жизнь человека, его переживания, психологические конфликты.

15.3. Французское Возрождение

Искусство французского Возрождения представляет прежде всего Франсуа Рабле (1494-1553). Он был не только великим писателем-гуманистом, но и монахом, ботаником, врачом. О его энциклопедической образованности ходили легенды. Главным творением Рабле стал роман "Гаргантюа и Пантагрюэль". В нем много буйного вымысла, фантастики и фантастических приключений. В известной мере его можно назвать утопическим. Главными темами романа являются воспитание, война и жизнь обитателей Телемского монастыря.

Значительных высот достигают общественная мысль, философия, этика. В эти годы творил мыслитель-гуманист – Мишель де Монтень, родоначальник литературной формы

эссе.

Первыми свидетельствами освобождения от готической традиции и применения ренессансных форм в архитектуре стали дворцы в Блуа (1515-1524) и Фонтенбло.

Победа ренессансного мироощущения во французской пластике связывается с именем Жана Гужона (ок. 1510-1566/68), творчество которого пленяет тонким изяществом и гармонической ясностью. Самое прославленное его произведение – рельефы фонтана Нимф (фонтана Невинных) в Париже.

В живописи основное место в XVI веке занял портрет, в жанре которого особенно прославился Жан Клуэ Младший (ок. 1485/88-1541), придворный художник Франциска I, увековечивший как самого короля, так и его окружение в своей портретной галерее. Придворные парадные портреты писал и его сын Франсуа Клуэ (ок. 1516–1572) – самый

155

крупный художник Франции XVI века. Краски Клуэ напоминают драгоценные эмали (портрет Елизаветы Австрийской, ок. 1571).

Во Франции XVI века тончайшим виртуозным мастерством отмечено декоративное и прикладное искусство: особенно выделяются резьба по дереву (панно, мебель), литье, чеканка, шпалеры с религиозными и мифологическими сценами, фаянсы города СенПоршера и мастерской Б. Палисси (ок. 1510–1589/90), оформление книг.

15.4. Английское Возрождение

Главной фигурой английского Возрождения является Уильям Шекспир (1564-1616). Он был великим драматургом и поэтом, крупнейшим мыслителем и гуманистом Позднего Возрождения.

В творчестве Шекспира условно можно выделить три периода Первый приходится на 90-е годы XVI века. В это время драматург пишет несколько пьес-хроник – "Генрих VI", "Генрих IV" "Генрих V", "Ричард III" и "Ричард II". В них он размышляет прошлом Англии, рассматривает различные типы власти и общественного устройства, моделирует образ идеального монарха, выражая сомнения в том, что такой образ может быть воплощен в действительность.

Помимо хроник Шекспир создает также десять великолепных комедий, наиболее популярными из которых являются "Укрощение строптивой", "Сон в летнюю ночь", "Много шума из ничего", "Двенадцатая ночь". На это же время приходятся eго прекрасные сонеты.

Хотя в этот период Шекспир пишет первую свою трагедию "Ромео и Джульетта", в его творчестве явно преобладают оптимистические, жизнерадостные мотивы, вера в возможность утверждения идеалов гуманизма.

Второй период охватывает первое десятилетие XVII века. В годы творчество Шекспира достигает наивысшего расцвета. Именно в это время он создает гениальные трагедии – "Гамлет", "Отелло", "Король Лир", "Макбет". Особого выделения среди них заслуживает трагедия "Гамлет", которую можно назвать лучшей трагедией всех времен и народов, непревзойденной вершиной мирового искусства.

Третий период творчества Шекспира охватывает последующие шесть лет его жизни. В это время он создает еще одну хронику "Генрих VIII", а также четыре пьесы, близкие по жанру к трагикомедии. Мужественно пережив крах идеалов гуманизма, он сохраняет свой оптимизм и по-прежнему высоко ценит жизнь, считая ее высшим благом человека.

Благодаря творчеству Шекспира получает развитие театральное искусство Англии.

15.5. Испанское Возрождение

Испанское Возрождение представляет прежде всего Сервантес (1547-1616), автор знаменитого "Дон Кихота Ламанчского". Сервантес является автором "Странствование Персилеса и Сихизмунда", незаконченного пасторального романа Талатея", нескольких пьес и поэтических произведений, сборника "Назидательные новеллы". Однако мировую славу ему принес "Дон Кихот", который он начал писать, находясь в тюрьме. Этот роман стал величайшим шедевром мирового искусства. Таким образом, получают распространение рыцарские и плутовские романы.

Эпоха Возрождения была прежде всего духовным явлением. Она стала поворотным пунктом в эволюции западной культуры и цивилизации. Она означала начало новой тенденции – тенденции от культуры к цивилизации.

Вопросы для самоконтроля

1.Почему мы говорим «Северное Возрождение»? Какие страны мы к нему относим?

2.В чем отличие искусства Итальянского Возрождения от Северного Возрождения? Ответ подтвердите примерами.

156

3. Какие художественные произведения мы относим к Северному Возрождению? Каковы их специфические черты?

Резюме по теме Возрождение, существовавшее вне Италии, обычно называется

Северным (в странах, расположенных к северу от родины Ренессанса). Его представляют такие страны, как Нидерланды, Германия, Франция, Англия, Испания.

ВНидерландах творили такие известные мастера, как Ян ван Эйк (с его именем связывают новую технику живописи маслом), Питер Брейгель.

Таким образом, в нидерландском искусстве получили развитие бытовой жанр, портрет, интерьер, пейзаж.

П.П. Рубенс - религиозные, мифологические сюжеты, портреты; Харменс ван Рейн Рембрандт - автопортреты, портреты на мифологические и религиозные сюжеты, групповые портреты.

Крупнейший представитель нидерландского Возрождения – Эразм Роттердамский (сатирические произведения «Похвала глупости», «Домашние беседы» и др.).

ВГермании - Альбрехт Дюрер, живописец, мастер гравюры на дереве и меди, математик, анатомом, перспективист, инженер.

Немецких художников привлекают духовная жизнь человека, его переживания, психологические конфликты.

Искусство французского Возрождения представляет прежде все го Франсуа Рабле. Значительных высот достигают общественная мысль, философия, этика. В эти годы творил мыслитель-гуманист – Мишель де Монтень, родоначальник литературной формы эссе.

В живописи основное место занял портрет, в жанре которого особенно прославился Жан Клуэ Младший.

Декоративное и прикладное искусство: резьба по дереву (панно, мебель), литье,

Основная литература

1.Борзова Е.П. История мировой культуры. – М., 2005.

2.Емохонова Л.Г. Мировая художественная культура. – М., 2001.

3.История мировой культуры / Под ред. Г.В. Драча. – Ростов н/Д, 2005.

4.Культурология. История мировой культуры: Учебник для вузов / Под ред. А.Н. Марковой. – М., 2007.

Дополнительная литература

1.Вейс Герман. История культуры. – М., 2002.

2.Гнедич П.П. История искусств. Живопись. Скульптура. Архитектура. Современная версия. – М., 2002.

3.Зарецкая Д.М., Смирнова В.В. Мировая художественная культура. – М., 1998.

4.Из истории Средних веков и Возрождения. – М., 1976.

5.История и культурология / Под ред. Шишовой Н.В. – М., 2000.

6.Лосев А.Ф. Эстетика Возрождения. – М., 1978.

7.Мировая художественная культура. В 2 т.: Учебное пособие / Под ред. Б.А. Эренгросса. – М., 2005.

8.Ренессанс. Барокко. Классицизм. Проблема стилей в западноевропейском искусстве ХV-ХVIII вв. – М., 1966.

157

Лекция 16. Западноевропейская культура ХVII в.

Цель изучения темы – познакомить с особенностями развития западноевропейской культуры ХVII в.

Задачи: дать общую характеристику западноевропейской культуры ХVII в.; познакомить с основными художественными стилями и направлениями в искусстве Западной Европы ХVII в., провести их сравнительную характеристику.

16.1.Краткая характеристика западноевропейской культуры ХVII в.

ВXVII в. имели место большие потрясения, главными из которых стали Английская буржуазная революция (1640-1660; 1688-1689) и Тридцатилетняя война (1618-1648).

XVII век – это:

- период яростного столкновения между собой отношений феодальных и капиталистических;

- период феодально-католической реакции, наступившей после подавления крестьянских движений XVI века и в ответ на Реформацию;

- а также период усиливающейся борьбы народных масс против абсолютистского гнета и хищничества эпохи первоначального накопления капитала.

XVII в. – век науки и научной революции.

В математике и физике «революцию» осуществили: Г. Галилей, Р. Декарт, Б. Паскаль, И. Ньютон и др., в астрономии – И. Кеплер, в биологии – У. Гарвей, в химии – Р. Бойль. Благодаря открытиям и достижениям ученых были созданы фундаментальные теории практически всех явлений окружающего мира – жидкости, газа, твердого тела, Земли, неба и всей Вселенной.

XVII в. стал началом научно-технического прогресса. Именно на это время приходятся такие важные технические изобретения, как часы с маятником, ртутный барометр, телескоп, микроскоп и пр.

По своей значимости наука, по меньшей мере, уравнивается с философией. Согласно теории английских философов, человек предстает как преобразователь природы, наука при этом выступает главным средством покорения природы.

Целостное поэтическое восприятие мира, характерное для Возрождения, разрушается, идеал гармонии и ясности становится недосягаемым. Мировоззрение XVII столетия пронизано ощущением трагического противоречия человека и мира, в котором он занимает совсем не главное место, а растворен в его многообразии, подчинен среде, обществу, государству.

Глубокое и целостное восприятие действительности в творчестве художников ведет к определенному синтезу в искусстве. Отдельные виды искусства, как и отдельные произведения, утрачивают обособленность и стремятся к соединению друг с другом:

-в архитектуре усиливается стремление органически включать здания в пространство улицы, площади, парка;

-скульптура, становясь динамичнее, вторгается в архитектуру и садовое пространство;

-декоративная живопись пространственно-перспективными эффектами дополняет то, что заложено в архитектурном интерьере.

В то же время в отдельных видах искусств идет процесс формирования новых жанровых форм. Так, в изобразительном искусстве наряду с традиционными мифологическими и библейскими жанрами самостоятельное место завоевывают светские:

-бытовой жанр,

-пейзаж,

-портрет, в котором усиливается психологизм,

-возникают натюрморт

-и изображение животных;

158

- возникает значение оригинальных композиционных решений, цвета, живописности, колорита.

Если в предшествующие исторические эпохи искусство, как мы видели, развивалось в рамках однородных больших стилей – романский, готика, Ренессанс, то в XVII веке вырабатываются два больших стиля – барокко и классицизм, элементы которых ярко выражены в архитектуре и в новом понимании синтеза искусств.

Наряду с этими двумя стилями в изобразительном искусстве, продолжая завоевания эпохи Возрождения, развивается мощное реалистическое отражение жизни, свободное от стилевых элементов. Причем проявления реализма чрезвычайно разнообразны.

В музыке рождается опера, создателем этого жанра является итальянский композитор К. Монтеверди (1567-1643), написавший оперу «Орфей». Возникают кантаты и оратории.

XVII столетие стало «золотым веком» театра. В Англии продолжает творить У. Шекспир. Настоящий расцвет переживает театр Испании, главой этого театра становится Лопе де Вега, написавший около 200 пьес, из которых наиболее известной в наши дни является «Собака на сене». Выдающимся представителем испанского барокко стал Педро Кальдерон (1600-1681), создавший комедию «С любовью не шутят», драму «Стойкий принц», а также философскую драму «Жизнь есть сон», посвященную нравственной силе человека. Успех и славу французского театра стиля классицизма обеспечил П. Корнель

(1606-1684), Ж. Расин (1639-1699), Ж.Б. Мольер (1622-1673).

16.2. Стили в искусстве Европы XVII в. 16.2.1. Барокко

Художественный стиль барокко («барокко» в переводе с итальянского – странный, вычурный), зародившийся в Италии в конце XVI века и распространившийся в архитектуре, живописи, декоративно-прикладном искусстве большинства европейских стран.

Для барокко характерны контрасты, противопоставление земного и небесного, реальности и фантазии, духовного и телесного, аристократического и народного.

Из этих противопоставлений рождаются бурная динамика, живописность, иллюзорность, контрасты света и тени, масштабов, ритмов, материалов и фактур, асимметрия, монументальность, декоративность, парадность, пышность.

Роскошные дворцы и виллы, церкви XVII столетия с обилием многоцветных архитектурных и скульптурных украшений, с зеркальными стенами и под потолкамисводами тяжелая величественная мебель из черного и красного дерева, инкрустированная серебром и бронзой, создавали определенный фон для человека, образуя единое целое с его обликом, костюмом, манерой поведения.

Вкрайних проявлениях искусство барокко приходит к иррациональному, к мистике, воздействует на воображение и чувство зрителя драматическим напряжением, экспрессией форм.

Наиболее полное выражение барокко нашло в архитектуре (в грандиозности масштабов, в пышной декоративности их внешнего и внутреннего оформления).

Вживописи и скульптуре были характерны эффектные декоративные композиции, парадные портреты, изображающие напыщенных вельмож и дам с горделивой осанкой, утопающих в роскошных одеяниях и драгоценностях.

Барокко тяготело к ансамблю, к организации пространства: городские площади, дворцы, лестницы, фонтаны, парковые террасы, бассейны, городские и загородные резиденции построены на принципе синтеза архитектуры и скульптуры, подчинения общему декоративному оформлению.

Вживописи вместо линии предпочтение отдавалось живописному пятну, массе, светотеневым контрастам, с помощью которых создавалась форма.

Стиль барокко получил развитие в Италия, затем Испания, Португалия, Фландрия, оставшаяся под владычеством Испании, несколько позже – Германия, Австрия, Англия, Скандинавия, Восточная Европа, Новый Свет. В XVIII веке барокко нашло своеобразное и

159

блестящее развитие в России. Ни во Франции, ни в Голландии барокко не получило большого распространения.

Интерьер барочной церкви подчиняется пышности мессы, которая все больше превращается в театрализованное представление. С появлением органа и возникновением фуги месса действует уже не ясностью своих слов, но музыкой, которая становится могучим выразителем ее настроения. Таким образом внутри церкви происходит синтез изобразительных видов искусства и музыки. В интерьере используются разные материалы (цветные мраморы, резьба по камню и дереву, позолота), живопись с ее иллюзионистическими эффектами, прихотливость архитектурных объемов – все это применяется с целью вызвать чувство ирреального, расширить пространство храма до бесконечности.

Даже в храме порой такой изображающий раскрытые небеса плафон заменяет купол. На потолке изображают уходящую вверх архитектуру, служащую продолжением стены, и заселяют ее людьми. Все это говорит о том, что стиль барокко куполу, потолку и стене оставлял назначение освободить и расширить пространство.

Перед фасадом дворца, обращенного к саду, располагается широкая площадка с подстриженными лужайками, края которых извиваются правильными завитками орнамента барокко.

Архитекторы барокко придали улицам прямолинейные очертания, завершив их площадями, которые, в свою очередь, стали объектами архитектурных композиций. Впервые в истории градостроительства применяется трехлучевая система улиц.

На смену статуе как организующему площадь началу появляется обелиск с его динамичной устремленностью ввысь, а еще чаще – фонтан, обильно украшенный скульптурой.

К наиболее совершенным созданиям такого типа относятся фонтаны Четырех рек на площади Навона и фонтан Тритона на площади Барберини, исполненные основоположником стиля зрелого барокко Бернини (1598–1680). Крупнейшей архитектурной работой Бернини явилось завершение многолетнего строительства собора св. Петра в Риме и оформление площади перед ним.

Мастерски использовал он законы оптики и перспективы с дальней точки зрения: сокращаясь в перспективе, поставленные под углом колоннады трапециевидной площади воспринимаются прямыми, а овальная площадь — кругом. Эти же свойства искусственной перспективы он применил в парадной Королевской лестнице (1663–1666), соединяющей собор св. Петра с папским дворцом. Бернини добился иллюзии увеличения размеров лестницы и ее протяженности.

Как скульптор Бернини явился создателем барочного портрета: это изображение парадное, театрализованное, но общая парадность не заслоняет в нем реального облика модели. Созданный Бернини пышный репрезентативный портрет Людовика XIV послужил образцом для подражания барочным скульпторам.

Сотни статуй устанавливались в парках, на фасаде дворцов и во внутренних покоях. Зарождение живописи барокко в Италии связано с творчеством братьев Карраччи,

основателей одной из первых художественных школ Италии, так называемой Болонской Академии. Их искусство и позиции основывались на трех понятиях барокко: красоте – идеальной категории, возвышающейся над природой, грации и «декоруме», приравниваемом к благопристойности.

Аннибале Карраччи (1560–1609) – автор большого числа алтарных образов и картин на мифологические сюжеты, создатель так называемого героического пейзажа, то есть пейзажа идеализированного, выдуманного, с маленькими фигурками людей для подчеркивания величия природы.

В XVII веке барокко стало официальным господствующим направлением искусства Фландрии, заказчиками которого были дворянство, высшее бюргерство и католическая церковь, игравшие главную политическую роль в стране. Перед фламандскими мастерами