из электронной библиотеки / 48579700989648.pdf

Многозначность термина «искусство» обусловлена историческими причинами. Первоначально этим словом обозначалось не только собственно искусство, но и сферы практики человека, где проявлялся его высокий уровень. В Древней Греции, например, не проводили различий между творчеством живописца, скульптора и деятельностью ремесленника, изготавливающего мечи, щиты, предметы быта. Все эти виды деятельности обозначались единым словом «techne», хотя объективно искусство как специфический род занятий в этой культуре уже существовало, даже был определенный социальный слой профессиональных художников. Осознание существования в человеческой практике искусства как специфической сферы деятельности приходит сравнительно поздно — лишь в эпоху Возрождения. Главным отличительным признаком искусства, выделяющим его из широкого круга общественной практики, является не проявление в нем высокого уровня мастерства (что само по себе для него необходимо) и не его эстетическая привлекательность, без которой немыслимо существование этого феномена культур, а его художественно-образная природа. Образное начало (см. Образ) отличает искусство как форму общественного сознания от близкой к нему научной формы познания мира. Если последняя отражает действительность в ее объективном значении, а поэтому в научной теории немыслимо субъективное начало, то в искусстве художник не только воспроизводит мир человека и человеческих отношений, ко и выражает к ним свое отношение, дает им оценку, наполняя все это личными чувствами и переживаниями. И если в науке субъективный момент недопустим, поскольку искажает объективную истину, то в искусстве он является тем основополагающим началом, без которого оно не может существовать. Но это не означает, что искусство как форма познания является неким суррогатом науки, как утверждал в свое время Г.В.Лейбниц и другие рационалисты. По своим познавательным возможностям и достоинствам искусство не ниже и не выше последней, а является уникальной специфической формой духовно-практического освоения человеком мира. Например, Отечественная война 1812 г. нашла отражение в исследованиях ряда наук — исторической, военной, социально-политической. Тем не менее они не могут подменить собой ее художественное воспроизведение в романе-эпопее Л.Н.Толстого «Война и мир», где это событие осмысливается через призму личного опыта писателя, его субъективного понимания и оценки. Искусство не дублирует науку и не вступает с ней в конкуренцию, а существовало, существует и будет существовать рядом с ней, поскольку обладает своими, отличными от нее, образными, а не логико-понятийными средствами осмысления реальности, имеет собственный предмет познания (мир в его значении для человека, или мир в смысловом значении) и выполняет специфические по содержанию функции. Так, воспитание через искусство не повторяет и не подменяет в этой сфере ни педагогическую, ни научную деятельность. Оно также выполняет роль уникального средства социальной коммуникации. Передавая знания в образной системе, искусство воздействует не только на рациональную, но и на эмоциональную сторону психики, не только на сознание, но и на подсознание. Оно выполняет и ряд других специфических функций.

ИСТОРИЧЕСКИЙ ЖАНР – один из основных жанров изобразительного искусства,

посвященный воссозданию событий прошлого и современности, имеющих историческое значение. Исторический жанр часто пересекается с другими — бытовым жанром (т. н. историко-бытовым), портретом (портретно-исторические композиции), пейзажем («исторический пейзаж»), батальным жанром, когда он раскрывает исторический смысл военных событий. Исторический жанр находит воплощение как в станковых формах искусства (историческая

картина, статуя, бюст, рисунок, эстамп), так и в монументальных формах (росписи, рельефы,

памятники), и в миниатюрах, иллюстрациях, мелкой пластике (медали, монеты). Его зачатки восходят к условно-символическим композициям Древнего Египта и Месопотамии (апофеоз военных побед монарха и передача ему власти божеством), к мифологическим образам Древней Греции, к документально-повествовательным рельефам древнеримских триумфальных арок и колонн. Собственно исторический жанр начал складываться в итальянском искусстве эпохи Возрождения - в батально-исторических произведениях П.Уччелло, картонах и росписях А.Мантеньи на темы античной истории. В XVII—XVIII вв. в искусстве классицизма исторический

жанр выдвинулся на первый план, включив в себя религиозные, мифологические и собственно исторические сюжеты. Поворотным пунктом в становлении жанра стали в XVII в. произведения Д.Веласкеса, внесшего в изображение исторического конфликта испанцев и голландцев глубокую объективность и человечность. Во второй половине XVIII в., в эпоху Просвещения, историческому жанру придается воспитательное и политическое значение: картины Ж.Л.Давида, изображающие героев республиканского Рима, стали воплощением подвига во имя гражданского долга, прозвучали как призыв к революционной борьбе. Тот же принцип лежит в основе исторической живописи мастеров французского романтизма (Т.Жерико, Э.Делакруа), а также испанца Ф. Гойи. В XVIII-начале XIX вв. героические образы античной и национальной истории утвердились в русском искусстве (А.П.Лосенко, М.И.Козловский, И.П.Мартос, Ф.П.Тол-стоЙ, К.П.Брюллов, А.А.Иванов). В реализме середины и второй половины XIX в. зародилось философское и психологическое осмысление исторических трагедий народов и личностей (О.Роден во Франции, Н.Н.Ге, И.Репин, В.И.Суриков, М.М.Антокольский, В.В.Верещагин в России). В советском искусстве историкореволюционная композиция заняла одно из ведущих мест. События революции и гражданской войны представали в 1920— 1930-е гг. в романтическом и символическом ореоле (К.С.Петров-Водкин, А.А.Дейнека, Б.В.Иогансон, М.Б.Греков, И.Д.Шадр, А.Т.Матвеев), но позже превратились в однообразные композиции с вождями и массами. Вторая мировая война воскресила интерес к героическому прошлому народов России (П.Д.Корин, А.П.Бубнов), а в I960—1970-е гг. делались попытки обновить исторический жанр романтикой образов или необычностью аспектов (Г.М.Коржев, Е.Е.Моисеенко, Т.Г.Назаренко).

ИТАЛЬЯНСКОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ – первые признаки Возрождения заметны уже в XIII в., особенно в последние два десятилетия и, конечно, в начале XIV в. (ит. – треченто). Эти признаки явились результатом развития коммунальной культуры, неслучайно очагом рождения становится Флоренция. Некоторые исследователи поэтому рассматривают начало Ренессанса с проторенессанса, с середины XIII в. или, во всяком случае, с 1300 г. Другие предпочитают считать точкой отсчета середину XIV в. В это время яркой звездой вспыхнул лирический гений Петрарки, вышел в свет вольнодумный «Декамерон» Боккаччо, разнеслась по Италии слава великого живописца Джотто, который вместо бесплотных и плоскостных фигур впервые дал реалистические, объемные изображения человека. В первой половине XV в. (ит. — кватроченто) Возрождение не только окончательно завладело философией, риторикой, этикой, педагогикой, политической мыслью, историографией, создало текстологию и археологию, но и развернулось в скульптуре и живописи, а также начало свою архитектурную линию. Во Флоренции создаются знаменитые художественные коллекции дома Медичи, Платоновская академия, Лукрецианская библиотека. По всей Италии – от Милана и Венеции до Урбино и Неаполя – возникают своеобразные ренессансные очаги. Появляются школы живописи, светские образованные люди собираются в кружки, в которых обсуждают идеи античной философии, проблемы морали, общественной жизни, научного познания природы. Художники изучают пропорции человеческого тела, анатомию, линейную перспективу. Интеллектуальные и художественные веяния смешались и образовали объемное культурное единство. Это дает основание многим ученым употреблять термин «Раннее Возрождение» в ограничительном смысле, имея в виду раннюю зрелость первых двух третей XV в. Это время творений Мазаччо (живопись), Донателло (скульптура), Брунеллески (архитектура). В итальянском искусстве этого периода вырабатывается своеобразное понимание художественной правды. Живописцы продолжают черпать свои сюжеты из церковных легенд, но они становятся доступны всем жителям итальянских городов и в своей повседневности приобретают возвышенно-исторический характер. Итальянская живопись XV в. —

преимущественно монументальная (см. Монументальная живопись). Она выполнялась на стенах техникой фрески и по своему характеру была рассчитана на восприятие издали. Итальянские мастера умели придать своим образам общезначимый характер. Основоположником культуры Возрождения был Донателло. Одна из главных его заслуг - возрождение т. н. круглой статуи. Это заложило основы развития скульптуры последующего времени. Наиболее зрелое произведение Донателло - статуя Давида (Флоренция). Решающую роль в развитии архитектуры Ренессанса сыграл Брунеллески. Он возродил античное понимание архитектуры, не отказываясь в то же время от средневекового наследия. Брунеллески возродил ордер (см. Ордер архитектурный), поднял значение пропорций и сделал их основой новой архитектуры. Но это не было слепым копированием античности. В зданиях, построенных этим мастером (Воспитательный дом, капелла Пацци во Флоренции и др.), архитектура наполняется той одухотворенностью, которая была неведома древним. Под «Высоким Возрождением» обычно понимают вторую половину или последнюю треть (самый конец кватроченто), а также первые два десятилетия чинк-веченто (XVI в.). Это «век Леонардо» - классический период Возрождения. Это время, когда ренессанс охватил все виды духовной деятельности, все ответвления культуры, пропитав их общим настроением и связав в единое целое. Возрождение вторглось в собственно философскую область, преобразило космологию и теологию (неоплатонизм). Родилась натурфилософия падуанской школы во главе с Пьетро Помпонацци. Ренессансное мировосприятие вовлекло в свою орбиту математику, магию, астрологию, историографию, инженерию. Флоренция сохраняла свое значение, но рядом выросли и процветали Рим, Венеция, Феррара. Именно в это время и только в Италии ренессансность успела пройти достаточную историческую дистанцию, чтобы развернуться в полный тип. В «Высоком Возрождении» достигает кульминационной точки тот дух свободы, которым было пропитано уже искусство XV в. В нем этого периода жизнь раскрывается в непривычной для кватроченто сложности и контрастности. Реализм Возрождения поднимается на качественно новую ступень. В основе ренессансного реализма лежало убеждение, что прекрасное заложено в самой жизни.

КАБУКИ (яп. — отклонение) — японский театральный жанр, возникший в XVII в. Такое название театр получил из-за того, что его представления очень отличались от других традиционных видов зрелищного искусства. По преданию, труппа кабуки впервые была создана уличной танцовщицей О-куни. Кабуки — особый вид драмы, в которой сочетаются драматические, музыкальные и танцевальные элементы. Движение актеров на сцене и мелодика их речи согласуются по ритму и характеру с музыкальным сопровождением. Выработана система канонических движений, жестов, модуляций голоса, символического грима. Программа выступлений кабуки состоит из нескольких пьес: исторических, бытовых, танцевальных, В репертуар современного театра кабуки входят как классические, канонические пьесы, так и новые, современные, отличающиеся реалистической формой. Исполнительские традиции кабуки способствовали формированию самых знаменитых в Японии актерских династий.

КАГУРА (яп.)- древние мистерии синтоистского ритуала, возникшие в Японии в VII в. представляют собой пантомиму, сопровождаемую пением и игрой на барабанах и флейтах. Главным содержанием качуры являются мифологические сюжеты, особенно миф о богине солнца Аматэрасу, в основе которого лежит идея умирающего и воскрешающего бога. Представления разыгрывались во время религиозных праздников на площадках перед храмами или вблизи их на подмостках. Качура исполнялась сначала жрецами, а позже специально подготовленными актерами-профессионалами (качура-си). Во время представлений использовались костюмы, маски, парики, специальные ритуальные атрибуты.

КАКЭМОНО (яп.) — в традиционном искусстве Японии вертикальный бумажный или шелковый живописный свиток, наклеенный на плотную основу, обрамленный парчовой каймой и снабженный одним деревянным валиком на конце. Предназначался для украшения стены, ниши по случаю праздника, смены сезона.

КАЛОКАГАТИЯ (греч. – прекрасный, добрый) — одно из важнейших понятий древнегреческой культуры, под которым понимали синтез эстетических и этических достоинств человека. Совершенство телесного сложения и нравственного склада мыслилось как единое целое: доброе полагалось всегда прекрасным, а злое — безобразным. Внешний облик и поступки человека неразрывно объединялись. Принцип калокагатии был связан с идеалом гармонии греческой культуры. Образ человека в греческой культуре эпохи классики должен был соответствовать принципу калокагатии. Идеал калокагатии был вновь востребован итальянскими гуманистами эпохи

Возрождения.

КАМЕРНОСТЬ (лат. – свод, комната) – стилистическое качество произведении искусства малых форм, небольших по размеру композиций, художественно-эстетических предметов, являющихся частью обстановки интерьера. Так, камерная музыка создается для небольшого состава исполнителей, а также как музыкальные произведения для сольного исполнения (в противоположность музыке концертной). Наиболее часто встречающиеся формы камерной музыки – сонаты, трио, квартеты, квинтеты, романсы и т. д. с сопровождением одного или нескольких инструментов. В другом смысле камерность – особенность содержания и формы произведений искусства, предназначенных для узкого круга ценителей, знатоков, а также произведения интимного, идиллического характера (см. Идиллическое искусство).

КАНО (яп.) – школа национальной живописи Японии XIV—XVI вв., характеризуемая распространением идей дзен-буддизма и формированием национального художественного стиля. Известна пейзажными композициями. Основателем этой школы был художник Кана Масанобу. Впоследствии все художники принимали имя Кано.

KAHОH (греч. – правило, мерило) – в широком смысле слова — свод общепринятых положений, правил, норм, имеющий обязательный характер, все то, что является образцом для подражания. В искусстве канон — система определенных мировоззренческих, эстетических, художественных и нормативных требований, определяющих содержание и стилистические особенности художественного произведения. По мнению исследователей, понятие канон впервые было использовано древнегреческим скульптором Поликлетом в одноименном трактате. Им были теоретически обоснованы идеальные пропорции тела человека. Поиск идеальных норм рациональным путем в дальнейшем был характерен для художников эпохи Возрождения и классицизма. Канон отличается стабильностью и служит закреплению, сохранению и передаче определенных традиций. Его постепенная трансформация связана с переходом к другому типу культуры. Но даже в новых исторических условиях канон, во многом утратив воплощенные в нем мировоззренческие установки, сохраняет большинство художественных приемов и форм. Догматическое следование канонам тормозит развитие новых тенденций в искусстве.

КАНОН ИКОНОГРАФИЧЕСКИЙ – совокупность правил, строго регламентирующих написание икон и росписи церквей. Основные каноны следующие: образы Иисуса Христа, Богоматери, пророков, апостолов, святых на иконах должны подчеркивать их духовный, неземной, сверхъестественный характер; фигуры библейских персонажей и святых изображаются неподвижными, статичными.

КАПЕЛЛА (лат. — часовня) – небольшое по размерам помещение (реже отдельное сооружение) для молитв членов одного семейства, хранения реликвий и других целей. В готических храмах находилось в боковых нефах или вокруг хора («венок капелл»), размешалось также в замках и дворцах. Существуют и отдельно стоящие капеллы (например, известная Сикстинская капелла). В отличие от храма в ней отсутствует алтарь.

КАПИТЕЛЬ (лат. — голова) — верхняя часть колонны, пилястры, столба, на которую опирается перекрытие. Капитель являлась неотъемлемой частью ордерной системы (см. Ордер архитектурный). Конструктивно она принимает нагрузку от архитрава и других расположенных выше частей здания, пластически завершает и художественно оформляет фуст колонны. В античной культуре сложились следующие типы капителей – дорическая, эолийская, ионическая, коринфская, тосканская и композитная. Две последние возникли в древнеримской культуре и являются производными от дорической, ионической и коринфской капителей. Дорическая капитель состояла из полукруглой, расширяющейся кверху нижней части – эхина и следующей за ней прямоугольной плиты — абаки, что зрительно выражало плавность передачи давления от перекрытия на колонну. Прототипом капители ионического ордера являлась эолийская (финикийская) капитель, получившая распространение в период архаики (VIIVI вв. до н. э.). Ее происхождение связывают с первоначальной деревянной конструкцией из расщепленного ствола дерева, на который укладывались горизонтальные балки перекрытия. Поэтому выглядела она как два расходящихся по бокам завитка (волюты), между которыми распускается цветок пальметты. Предполагают, что подобную форму капители заимствовали у финикийцев жители малоазийских островов – эолийцы. Ионическая капитель выглядит а виде волют – спиралеобразной орнаментальной детали в форме крутого завитка по обе стороны колонны. Коринфская капитель декорирована пластическим орнаментом в форме аканфа (стилизованных листьев растения). Композитная капитель состояла из элементов различных архитектурных ордеров, чаше всего сочетая волюты и аканф. Помимо этого, она могла включать и другие фигурные элементы. Вне античного архитектурного ордера наибольшим своеобразием отличались капители древнеегипетской архитектуры в виде стилизованных цветков лотоса, папируса, скульптурных изображений богов Осириса и Хатхор. Древние египтяне часто помещали между капителью в виде цветка и тяжелым перекрытием значительно меньшую по размерам абаку, которая не была заметна снизу. В результате у зрителя создавалось ощущение, что потолок висит в воздухе, не касаясь колонн. Оригинальные типы капителей были созданы также в византийской, романской, готической, древнерусской архитектуре, а также в художественной культуре средневекового Востока.

КАПИЩЕ (старослав. «капъ» — изображение, идол, изваяние, статуя) — место для идолов и принесения жертв; языческое культовое сооружение славян. Капище являлось своеобразным центром, отмечавшим место сбора людей. Кроме того, в нем хранились предметы поклонения – изображения божеств. Такая постройка могла иметь сложную форму и вместе с тем быть прозрачной, легко создаваемой и разрушаемой. Судя по археологическим находкам и немногочисленным описаниям, конструкции капищ были весьма разнообразны. Так, Арконское капище (о. Рюген) представляло собой деревянное сооружение на каменном фундаменте. Наружные стены из вертикально поставленных бревен покрывала ярко раскрашенная резьба. Внутри их квадрата со стороной около 20 м поднималась на четырех мощных столбах башнеподобная сень над огромным столпообразным кумиром Святовита, лица которого были обращены на все четыре стороны. Кровля над сенью, возможно, имела очертания высокого шатра. До XI в. на горе Богит у реки Збруч существовало капище с кольцом из восьми круглых ямжертвенников. Внутри кольца стоял знаменитый Збручский идол – четырехгранный столб, завершенный круглой шапкой, под которой – четыре обращенных в разные стороны

человеческих лица. Главной частью культовых обрядов, совершаемых в капище, было принесение жертв. В жертву приносили не только животных, но в важных случаях и людей. Культовая архитектура средневековой Руси унаследовала у безымянных создателей капищ приверженность к пирамидальным композициям, к гармоничному сочетанию построек с местным ландшафтом.

КАПРИЧОС (um. – козья нога) – жанр фантастических, причудливых, странных, необычных изображений. Понятие «капричи» впервые возникло в Италии в XVI в. для обозначения своеобразия и остроумия художественного языка. Сюжеты капричос рождались исключительно фантазией художника, часто они были связаны со сверхъестественными явлениями, суевериями. Этот жанр получил наибольшее развитие в стилях маньеризм, барокко, романтизм. В истории искусств широко известны офорты

капричос художников Дж.Тьеполо, Дж.Пирандели, Ф.Гойя.

КАРАОКЕ (яп. – пустой оркестр) — феномен массовой культуры, возникший в Японии и распространившийся по всему миру в 1980-е гг. Представляет собой любительское исполнение песен перед публикой под предварительно записанную фонограмму. Осуществляется с помощью музыкального автомата с записями популярных мелодий, текст обычно высвечивается на экране. Система караоке устанавливается в барах, ресторанах, клубах, такси.

КАРИКАТУРА (лат. – нагружать, преувеличивать) — жанр изобразительного искусства (как правило графики), изображение, в котором комический эффект создается за счет преувеличения и заострения характерных черт того или иного персонажа или объекта. Истоки карикатуры обнаруживаются в античной художественной культуре. Расцвет карикатуры обычно связан с периодами крупных общественных конфликтов. Как особый жанр сложилась в XV1II-XIX вв.

КАРТИНА - произведение искусства, определенного размера и формата, замкнутое и завершенное в себе (в отличие от эскиза или этюда). Картина как художественное произведение двойственна: с одной стороны, это материальный предмет, вещь, с другой — особый художественный мир со своим пространством и временем, со своей системой эстетических и нравственных ценностей. Картина, как явление

художественной культуры, возникает в искусстве Возрождения в общем русле гуманизации всех сфер жизни общества. Ее оформление в самостоятельный художественный феномен тесно связано с процессом индивидуализации самого человека, она становится атрибутом его духовной жизни. По своей природе картина стала выражением нового типа мировосприятия. Она не копия объективного мира, а ее чувственно-рациональный образ. Став автономным организмом, способным сохранять свою целостность, независимо от перемещения в пространстве и во времени (в отличие от иконы), картина обрела свою логику, структуру, язык, решив таким способом две важнейшие задачи: передать на плоскости глубину и объем трехмерного пространства и выразить систему взаимоотношений изображаемых объектов в их восприятии художником. Поиски в решении этих проблем привели к созданию законов перспективы и композиции. Такая построенная по законам перспективы и композиции картина предполагала не ремесленника-воспроизводителя, а сочинителя, автора-личность. Появление картины и утверждение суверенитета живописи (ее независимости от архитектуры) вызывает к жизни целый ряд деятелей, выступающих посредниками между картиной и художником, картиной и зрителем: теоретики искусства и художественные критики, меценаты и коллекционеры и др. С ней связано возникновение новых явлений в духовной жизни людей: любование картинами, как самоценное занятие, стремление украсить быт и научиться понимать законы красоты и т. д. Картина как станковое произведение живописи создается на основе (холст, деревянная или

металлическая доска, фанера, картон, прессованная плита, пластик, бумага, шелк и т. д.), на которую наносится грунт и красочный слой. Европейский тип картины требует рамы, отделяющей мир живописи от окружающего пространства, и обычно подрамника, составляющего жесткую конструкцию вместе с холстом. Дальневосточный тип картины сохраняет традиционную форму свободно висящего развернутого свитка (горизонтального или вертикального).

КАТАРСИС (греч. - очищение) – одна из категорий древнегреческой культуры. Греки трактовали катарсис в трех значениях: религиозном, медицинском, эстетическом. В религиозных культовых церемониях катарсис понимался как внешняя (омовение рук, окуривание) и внутренняя (очищение от греха, скверны) чистота человека при его обращении к богам. Согласно воззрениям греков, здоровье человека зависело от гармонического сочетания всех элементов и сил. Поэтому медицина, используя очистительные средства, должна была способствовать восстановлению утраченной гармонии. Греки впервые попытались осмыслить возможность психологического воздействия искусства на человека. Начало эстетического понимания катарсиса – очищающую роль музыки и песнопений — исследователи находят в произведениях Гомера и Гесиода. Эта идея получила свое развитие у пифагорейцев, которые воспринимали музыку как магическое средство врачевания души, избавляющее человека от уныния и гнева. Платон полагал, что способность человека припомнить идеальные образы, запечатленные в его душе, позволяет ему стать на путь очищения от суетного, преходящего бытия. Аристотель приписывал основное катарсическое действие искусству. Особое очищающее действие на душу человека он связывал с аффектами, вызываемыми трагедией. Идеи греческого понимания катарсиса способствовали разработке проблем художественного восприятия, становлению таких научных дисциплин, как эстетика, искусствоведение и психология искусства.

КЕРАМИКА (ГОНЧАРНОЕ ИСКУССТВО) – художественные изделия из

глин и их смесей, закрепленные обжигом очень высокой температуры. Керамика относится к монументально-декоративному и декоративно-прикладному искусству. По технологии изготовления различают следующие ее виды: гончарные изделия, каменная масса, терракота, майолика, фаянс, фарфор. Скульптурно-пластические свойства глины и разнообразие декора керамики позволяют создавать различные предметы: кирпич, изразцы, черепицу, плитки, архитектурные детали, скульптуру, вазу, панно, игрушки, украшения, посуду. Керамика получила широкое распространение с эпохи неолита. Важное значение имело появление гончарного круга в древневосточных культурах. Начиная с этого времени керамика изготовлялась ручной лепкой, при помощи гончарного круга или отливалась в форме. Каждая последующая культурная эпоха способствовала развитию технологии, поиску новых форм, типов росписей, стилистических особенностей.

КИНЕМАТОГРАФ (греч. - движение и пишу) – первоначальное название процесса съемки на кинопленку какого-либо изображения (статичного или находящегося в движении) и последующего воспроизведения его путем проецирования на экран, а также комплекс устройств и методов, обеспечивающих съемку и демонстрацию фильма. Термин «кинематограф» впервые появился во французском варианте - «синематограф», обозначающем систему создания и показа фильмов, разработанную братьями Люмьер. Часто термин «кинематограф» употребляют в значении киноискусство.

КИНЕТИЧЕСКОЕ ИСКУССТВО (КИНЕТЙЗМ) – (греч. — движение) —

направление в художественном творчестве, возникшее в 1950-х гг. в европейской культуре, имеющее целью создание эстетического эффекта с помощью движущихся, а также светящихся и звучащих установок. Элементы кинетизма использовались в

изобразительном искусстве на протяжении многих веков в виде различных ручных или механических трюков, оживлявших скульптуру, архитектуру, прикладные искусства (движущиеся фигуры часов и т. д.), в особенности в театральной сценографии. Однако только в XX в. кинетизм обособился в виде отдельного течения, хотя корни его надо искать в конструктивизме. Объекты кинетического искусства могли приводиться в действие техникой, вручную или природными стихиями. Впервые о кинетизме в текущем столетии заговорили после появления в 1920-1930-е гг. работ В.Е.Татлина в СССР и А.Колдера в США. В 1919—1920-е гг. Татлин спроектировал и изготовил модель своего самого знаменитого творения — Памятника III Коммунистическому Интернационалу («Башня Татлина»), которая была выставлена в декабре 1920 г. в Москве во время работы VIII съезда Советов (оригинал памятника должен был превосходить в полтора раза по высоте Эйфелеву башню). Модель представляла собой конструкцию из «металлических» балок (изготовленных на самом деле из деревянных реек) и четырех вращающихся с разными скоростями прозрачных объемов и должна была вмещать исполнительные, законодательные и пропагандистские учреждения Коминтерна. Диагональ «Башня Татлина» сочеталась с двумя охватывающими ее спиралями, вращающиеся объемы были вписаны внутрь обнаженной каркасной структуры. Сам Татлин считал свое творение высшим достижением «синтеза методов живописи, скульптуры и архитектуры».

КИНОИСКУССТВО – один из новых видов искусства; воплощение художественного замысла с использованием фотографических и технологических достижений. Киноискусство — синтетическое искусство, включающее в себя ряд видов художественного творчества и основанное на технических достижениях. Оно обладает своей, отличной от других системой художественно-выразительных средств создания художественного образа. Основными элементами являются яркость {свет), движение, реализм и монтаж. Интенсивная яркость картины, проектируемой мощным светом на экран, сама по себе преобразовывает элемент действительности. Яркость изображения имеет огромный диапазон - от самого светлого до глубоко черного, что позволяет воспроизвести на кинопленке практически любую краску. Кинофильм имеет много общего с графическим искусством, но иллюзия движения на экране придает резкое отличие от него, позволяя художественный замысел развернуть во времени и в пространстве. Другим отличительным элементом кинофильма является способ создания иллюзии реальности экранного действия. Для его воспроизведения кинематограф пользуется теми же методами, что и живописцы (в первую очередь это принцип перспективы). Но в отличие от них кино использует звук и движение. Существенной частью характеристики кинофильма является также монтаж, который позволяет посредством творческого и технологического процессов соединить отдельно отснятые кадры в единое художественно цельное произведение — фильм. Другая основная особенность кинофильмов – их доступность для широчайшей аудитории. Хотя кино и создало свои собственные жанры, однако больше всего в нем используется жанры других видов искусства, особенно литературы (практически все ее жанры так или иначе нашли воплощение в киноискусстве: от комедий и вестернов до детективов и классики). За свою короткую историю искусство кино часто подвергалось изменениям, которые иногда очень резко расширяли диапазон возможностей создателей картин. Самые фундаментальные среди них - привлечение на экран звука, цвета, спецэффектов и возможностей компьютерной технологии. Кинофильм проходит обычно четыре стадии создания: замысел картины, написание сценария, работа съемочной группы, монтаж и редактирование.

Основные технические новшества, которые сделали кинофильмы возможными, были достигнуты в 1880-1890-х гг.

КЛАССИКА (лат. – первоклассный, образцовый) — в Широком смысле слова – период наивысшего подъема, расцвета в культуре какой-либо исторической эпохи или страны. А также выдающиеся, общепризнанные, образцовые произведения искусства, имеющие исключительную ценность для мировой культуры. Созданные ранее, они не теряют своей актуальности и с течением времени. В эстетическом смысле являются эталоном, идеалом. В узком смысле слова под классикой понимают период подъема и максимального расцвета древнегреческой культуры, последовавший за архаикой и предшествовавший эллинизму. Период классики характеризуется общими типологическими чертами художественной культуры Греции. Ее специфика была во многом предопределена становлением полисной организации общественного устройства, афинской демократией, ментальностью и соответствующей им иерархией ценностей. Идея соразмерности сил человека и природы способствовала развитию антропоморфизма мироощущения греков. Знаменитая фраза философа Протагора «Человек – мера всех вещей» является одной из ключевых для понимания художественного стиля классики. Человек и его сущность, постижение тайн человеческого бытия являются главными темами художественной культуры. Памятники искусства теряли сакральную сущность и культовый характер. Резко возрастали роль искусства и статус художника в обществе. В сложившейся системе искусств этого периода лидирующую позицию занимала скульптура, поскольку ее произведения могли наиболее ярко выразить греческое понимание красоты и особенности ментальности — стремление воплотить мысли и чувства в телесной, осязаемой форме, рациональность, устремленность к идеалу, мере, гармонии и симметрии. Не случайно многие исследователи (И.Винкельман, Г.Гегель, О.Шпенглер) именно в скульптуре видели выражение самого существа древнегреческой культуры, находя черты статуарности и пластичности не только в архитектуре, живописи, литературе, театре, но и в философии. По мнению А.Ф.Лосева, даже математика и астрономия были «скульптурны и осязаемы», В древнегреческой скульптуре преобладали образы богов, мифических героев, атлетов, воинов, идеальных представителей полиса, воплощавших лучшие черты гражданина. В отличие от скульптурных памятников Древнего Востока не существовало полярности различных типов скульптуры. Главное отличие образа богов от смертных людей заключается в их совершенстве, идеально прекрасном облике. Но и человек, совершенствуясь, приближается к миру богов. Образ человека высокой классики был обобщен и максимально приближен к умозрительному идеалу. Его отличала эмоциональная уравновешенность, передача душевного состояния на основе обобщенных человеческих типов.

КЛАССИЦИЗМ (лат. — образцовый, первоклассный) – художественный стиль

в европейском искусстве второй половины XVII - начала XIX вв. Тенденция к классицизму наметилась несколько раньше — во второй половине XVI в. в теории и архитектурной практике А.Палладио и Д.Виньолы. В целостную стилевую систему классицизм сложился в следующем столетии во Франции, когда в ней упрочились позиции абсолютизма. Классицизм здесь явился выражением ментальности преимущественно аристократического социального слоя. В отличие от барокко, которое не создало своей теории стиля, поскольку его художественные методы в большей мере основывалась на интуиции, чем на рациональном начале, рассудочный по своей природе классицизм смог выработать строгие правила и каноны художественного творчества. Его философско-эстетической основой стал рационализм Р.Декарта, признающий разум самым совершенным инструментом познания. С рационалистических позиций художественное произведение рассматривалось как плод разума, а совершенный человек понимался как разумное существо, способное возвыситься над своими чувствами и страстями во имя осуществления высокой идеи. Концепцию классицизма разрабатывали многие теоретики искусства и художники Франции: Ж.Шапелен, Ш. и К.Перро, Н.Пуссен, А.Фелибьен, Роже де Пиль. Но наиболее существенный вклад в создание общей теории

этого стиля внес Н.Буало («Поэтическое искусство», 1674 г.). Несмотря на несовпадение взглядов авторов теории классицизма, созданная ими концепция явилась целостным учением. В ней нашли отражение основные нормы и принципы классицистского метода художественного творчества, понимание проблемы красоты и правды в искусстве, отношение искусства к природе, определена его социальная роль. Как и Возрождение, классицизм обращается к античной художественной традиции. Образцом и своего рода каноном для художественного творчества он считает античное искусство (отсюда происходит и название этого стиля: классический – значит образцовый). Но в отличие от Ренессанса, французский классицизм интересует не столько демократическая Греция, сколько аристократический Рим. Ориентация классицизма на античность определила содержание решаемых им художественных проблем. Провозгласив в соответствии с античной традицией принцип первенства природы, которой должно подражать искусство.

Клейма – на иконе небольшие композиции с самостоятельным сюжетом, расположенные вокруг центрального изображения.

КОВЧЕГ (старослав. - ящик, коробка) – в иконописи средняя углубленная часть иконы, вокруг которой оставались поля. Обеспечивала лучшую сохранность изображения.

КОКОШНИК – у славянских народов вид женского головного убора в (форме веера (полукружия) вокруг головы, украшенного кружевом, шитьем, бисером или жемчугом. В русской культовой архитектуре – ложная закомара, имеющая не конструктивное, а декоративное значение. Кокошники располагаются на стенах, сводах, у оснований шатров и барабанов. Могут украшаться фресками на библейские темы.

КОЛЛАЖ (фр. – наклеивание) — технический прием в изобразительном искусстве, заключающийся в наклеивании на какую-нибудь основу материалов, отличающихся по цвету и фактуре. Впервые в художественном творчестве стал использоваться кубистами, футуристами и дадаистами (см. Кубизм, Футуризм и Дадаизм). Применяется главным образом в графике ради усиления эмоциональной выразительности произведения посредством неожиданного сочетания разнородных материалов. В коллаже вещи образуют как бы два пласта значений. Первый - это сами вещи, второй - их символическое содержание, которое возникает благодаря их соотнесенности. Последний пласт является выражением субъективных намерений и ассоциаций художника. В музыке XX в. коллаж — введение в сочинение стилистически чуждых фрагментов из произведений других композиторов.

КОЛОКОЛЬНЯ – башня с открытым ярусом для подвешивания церковных колоколов. Включалась в композицию храма или ставилась рядом с ним. Колокольни в русской архитектуре строились различными по форме (круглой, восьмигранной) и имели значение высотных композиционных центров в кремлях, монастырях и даже городах, покрывалась шатром с главной. В итальянском культовом зодчестве колокольня называется кампанилой.

КОЛОННА (фр.) - вертикальная опора любого вида, простейший элемент стоично-балочной конструкции. Простейшей примитивной формой колонны явились дольмены в первобытной культуре. В культуре Древнего Востока колонны изначально были связаны с деревянной конструкцией. Но поскольку в Египте существовал дефицит строительного леса, именно здесь получили развитие колонны из известняка, гранита, песчаника, имитирующие стволы папируса, пальмы, лотоса. Форму колонны египтяне использовали не столько конструктивно, сколько декоративно. В гипостилях толщина колонн и расстояние между ними рассчитывались таким образом, что, откуда бы на них ни смотрели, они производили впечатление сплошной стены, леса колонн. Это ощущение возникало из-за отсутствия просвета между опорами. В древнеегипетских колоннах