5317

191

расположены по четко образовавшимся треугольникам. Участники завтрака – друзья Ренуара, которых помог ему собрать вместе барон Барбье, нарисованный в центре картины сидящим спиной к зрителям и болтающий с хорошенькой дочкой хозяина ресторана, облокотившейся на перила балкона. Сам хозяин ресторана, славившегося хорошей кухней и непринужденной атмосферой общения, стоит слева, в соломенной шляпе, а рядом с ним – будущая жена Ренуара – Алин Шариго, ласкающая собачку. Они поженятся ровно через год после завершения картины, и Алин сделает их брак очень счастливым. В правом верхнем углу - его друзья, кокетничающие с актрисой Жанной Самари. И на переднем плане изображена троица близких Ренуару людей, погруженных в оживленную беседу, среди них – в соломенной шляпе – Густав Кейбот, талантливый художник-импрессионист, более известный как меценат. Девушка – актриса Элен Андре, любимая модель Ренуара, позади нее стоит журналист Маджоло.

У людей на картине непринужденные, будто случайно схваченные позы, как на снимке. Тент над столом делает освещение ровным и чуть приглушенным, что свидетельствует об отходе от увлечения рефлексами, так как раньше Ренуар любил, чтобы солнечный цвет ложился яркими пятнами, вперемежку с тенями, и в своих ранних картинах он замечательно передавал игру светотени; тем не менее это настоящая импрессионистическая живопись, палитра чистых цветов солнечного спектра, короткие «рваные» мазки, тени скорее голубые, чем черные.

С середины 90-х годов искусство Ренуара вступило в новую, заключительную фазу, отмеченную редким стилистическим единством, но узостью тематики по сравнению с импрессионистическим периодом. Художник особенно охотно пишет обнаженную или полуобнаженную натуру на фоне природы, и эти его работы являются самыми совершенными и классическими созданиями. «Большие купальщицы», «Спящая», «Девушка в соломенной шляпе», «Габриэль с розой» и другие картины предвосхитили дальнейшие творческие искания художников конца ХIХ – начала ХХ веков.

192

Импрессионизм – чисто французское явление в живописи, которое стремилось фиксировать отдельный миг природы, но, декларируя эстетическую ценность мимолетного случайного впечатления, они оказались в плену натуралистического мышления, заменив живопись внешним, поверхностным наблюдением за предметом, абстрагируя его от всех пространственно-временных смысловых связей.

8.2. Постимпрессионизм

Как художественное течение импрессионизм быстро исчерпал свои возможности, и на смену ему пришел постимпрессионизм, представленный крупнейшими живописцами: П. Сезанном, Винсентом ван Гогом, П. Гогеном, Ж. Сера, А. Тулуз-Лотреком и некоторыми другими. Главное отличие этих художников от ранних импрессионистов заключалось в отсутствии единой эстетической концепции, в их разобщенности, хотя их искусство тоже базировалось на визуальном восприятии мира, кроме того, они в своих картинах стремились запечатлеть не мгновение, в вечность. Они расширили маленький мирок импрессионистов до масштабов Вселенной: если мир импрессионистов растворен в меняющейся световоздушной атмосфере, в солнечных бликах, то в картинах постимпрессионистов подчеркнута весомость предмета, четкая линия горизонта, объемность деревьев: деревья не иллюзия листвы, а обобщенная масса; структура зданий не размыта, а подчеркнута. У постимпрессионистов появились четкие и жесткие контуры рисунка, объем взаимодействует с пространством в отличие от плоскостности, как это было в картинах Мане. От импрессионистов у их последователей осталась воздушная среда и синие (не черные) контуры, нарушение линейной перспективы, когда дальний план как бы выдвигается вперед и мягкий, праздничный колорит.

Величайшим художником постимпрессионизма, родоначальником экспрессионистской живописи ХХ века является голландский художник Винсент ван Гог (1853-1890). Это был художник, создававший максимально яркие образы путем синтеза рисунка и цвета, упорядоченный мазок казался ему недостаточным для передачи своего выражения

193

(экспрессии) к изображаемому. Техника Ван Гога – это точки, запятые, вертикальные черточки, сплошные пятна. Он менял свою технику иногда даже в пределах одной картины, поскольку каждый предмет впечатлял его по-разному. Сам экспрессивный, Ван Гог видел мир как неустанный круговорот, как вечное движение. Его дороги, грядки и борозды действительно убегают вдаль, а кусты горят на земле, как костер. Он изображал не один миг, а непрерывность мигов. Все случайное Ван Гог умел претворить в космическое, в этом и была главная особенность его творчества.

Еще большей выразительностью, чем техника письма, обладает колорит красок Ван Гога. Его душа требовала ярких красок, он любил ярко-желтый цвет. Желтая, мажорная гамма - от нежно-лимонной до звонкой оранжевой - была для него символом солнца, ржаного колоса, «благовестом христианской любви». Эти краски бушуют в его знаменитых «Подсолнухах», «Сеятеле», «Красных виноградниках» (все 1888–1889 гг.). Синяя гамма – от голубой до иссиня-черной - казалась ему цветом холодной, бесстрастной вечности, ночного неба, смерти: «Хлеба и кипарисы», «Дорога в Провансе», «Терраса кафе ночью», «Звездная ночь»

(все 1889 –1891 гг.)

На полотнах Ван Гога обыденные предметы, люди, пейзаж становятся носителями сокровенных мыслей и чувств художника, передают его эмоциональное состояние; природа предстает в одухотворенном виде.

Винсент ван Гог писал много портретов, одним из лучших считается «Портрет доктора Гаше» (1890 г.). Композиция портрета, на котором сидит, подперев голову рукой, врач Ван Гога Поль Гаше, построена по диагонали, букет цветов, край стола, наклон фигуры подчеркивают это. Прихотливо положенные мазки, создающие фон и силуэт персонажа,

несколько автопортретов, в которых чувствуется стремление к самоанализу, изображение в них доведено до такого напряжения, что эти произведения превращаются в отчаянную попытку диалога с самим собой и со зрителем. Это и «Автопортрет с трубкой» (1886 г.), созданный в

194

манере голландского реализма и «Автопортрет за мольбертом» (1888 г.), выполненный в мазочной технике и импрессионистском стиле, в светлых тонах и порывистом прикосновении кисти. Самый известный – «Автопортрет с перевязанным ухом», написанный в 1889 году, после размолвки с Гогеном, на которую он отреагировал неожиданным образом: отрезал себе мочку уха. Это первое буйное проявление душевного расстройства, которое в июле 1890 года приведет его к самоубийству.

Другой художник, творчество которого относится к постимпрессионизму - Поль Гоген (1848-1903) - совмещал в своих работах действительность и миф, создавая непосредственную и чистую реальность. Испытав в начале творчества влияние Писсарро, он начал искать свой собственный путь и вскоре создал свой синтетический метод, в котором придавал большое значение выразительности языка, цвета, символике линий и поверхностей. Его художественные поиски предвосхитили абстрактную живопись. Он обновил технику создания гравюр на дереве и деревянной скульптуры.

Первое время Гоген вел буржуазный образ жизни, и только в 1871 году стал заниматься живописью, собирать картины Сезанна, Моне, Писсарро. В 1885 году он оставил свою семью и удалился в провинциальную Бретань, где писал картины из жизни крестьян, как, например, «Танец четырех бретонок» (1886 г.). В своих ранних картинах Гоген стремился добиться компактности и простоты форм, для чего использовал упрощенные контуры и строгую композицию. Испытывая влияние японской гравюры, он отказался от моделировки форм, сделав более выразительными рисунок и колорит. В своих картинах Гоген стал подчеркивать плоскостный характер живописной поверхности, лишь намекая на пространственные отношения и решительно отказываясь от воздушной перспективы, строя свои композиции как последовательность плоских планов. Его современник, художник Эмиль Бернар выработал новый стиль, произведший на Гогена сильное впечатление, - клуазонизм

«Видении после проповеди, или Иаков, борющийся с ангелом» (1888 г.),

195

где перспектива и пространство полностью исчезли из картины, уступив место цветовой разработке поверхности.

На Таити, где Гоген окончательно поселился в 1895 году, он обрел свой стиль и манеру письма, заимствуя многие мотивы своих картин из древних культур – египетской, греческой и яванской. На его полотнах в бесконечном пространстве, наполненном лиловыми, голубыми и изумрудными пятнами, сохраняются четкие контуры, гармоничные строения и форма предметов. Особенность «таитянского» Гогена состоит в ярко выраженной декоративности, стремлении закрашивать одним цветом большие плоскости холста, в использовании линейного контура, в любви к орнаментике, которая присутствовала и на тканях одежд, и на коврах, и в пейзажном фоне. Изображения приобретают монументальность, делая туземцев идеалом человеческой красоты. Прекрасные люди, связанные с природой телом и духом, становятся главными героями картин. Его «Таитянки» (1892 г.), «Женщина, держащая плод» (1893 г.), созданные после первого посещения Таити в 1891 году, отражают идеал естественного человека, не тронутого цивилизацией, слившегося с древними корнями человечества (см. приложение рис. 20). В 1897 году он создает полотно, которое можно считать своего рода душевной исповедью художника «Откуда мы? Кто мы? Куда мы идем?», в котором прославлял царство первозданного единства природы, человека и божества.

Поздние работы Гогена, необычайно интенсивные по колориту, проникнуты лиризмом, безмятежностью, гармонией и красотой, и в них никак не обнаруживаются страдания, которыми были отмечены последние годы жизни художника.

Открытия, сделанные постимпрессионистами в живописи, оказали воздействие на развитие некоторых течений в западноевропейском искусстве ХХ века – фовизма, кубизма, экспрессионизма и других.

8.3.Стиль модерн. Архитектура

Характерной чертой искусства ХХ века является разнообразие направлений, объединившихся под общим названием модерн (от фр.

196

moderne – «новейший», «современный»). В первые десятилетия ХХ века многие мастера модерна восставали против традиционных форм, однако, как и предшественники, они стремились творчески воплотить черты материального и духовного мира; недаром в последнее время наследие модерна (по-другому авангарда) признается равноправной частью мирового искусства. Направление модерна вобрало в себя принципы предыдущих стилей и интерпретировало их исходя из вкусов и технических возможностей своего времени, став в свою очередь стилем синтетическим, эклектичным - своеобразной попыткой соединения традиций Востока и Запада, античности и Средневековья, классицизма и романтизма.

Главным критерием красоты модерн провозгласил целостность художественного замысла, начиная с проектирования здания и оформления интерьера декоративными панно, витражами, живописью, графикой - до мебели, светильников, решеток, посуды, даже украшений и одежды.

В основных национальных школах модерн начинался в графике и прикладном искусстве и постепенно втягивал в свою орбиту архитектуру. В последующие годы именно в архитектуре стиль модерн проявился с наибольшей полнотой.

На раннем этапе становления модерна ведущую роль сыграла Англия, так как именно английский художник-дизайнер Уильям Моррис (18341896) почувствовал, что индустриализация пагубно влияет на художественные вкусы. В своем творчестве он вернулся к ручному, штучному труду, его ковры, гобелены, обои, изразцы, выполненные вручную, положили начало новому движению в искусстве Англии, которое стало называться «modern stile». Во Франции новые поиски в искусстве получили название «ар нуво», что значит «новое искусство», и одним из первых его представителей стал художник Эмиль Галле (1846-1904), создавший изделия из стекла в форме изысканных растительных стилизаций. Его поиски в области дизайна продолжили соотечественники, художники по стеклу и знаменитые ювелиры - Р. Лалик и Л. Тиффани.

197

В архитектуре модерна выделились несколько направлений:

национально-романтическое, пластическое, классицистическое и рациональное. Формирование национально-романтического стиля в архитектуре связано прежде всего с работой английских архитекторов, опиравшихся на романтическую традицию, сочетавшую средневековую и народную архитектуру, Известным примером здания, построенного в «готическом народном» духе, стал знаменитый «Красный дом», построенный Уильямом Моррисом в Беркли Хилл, достижения которого были в дальнейшем подхвачены многими архитекторами.

Признанным лидером испанского модерна в его национальноромантической интерпретации стал Антонио Гауди (1892-1926). Во всех зданиях Гауди, в первую очередь в его главном, известном творении – соборе Саграда Фамилиа («Святое семейство»), построенном в Барселоне, нет ни одного прямого угла. Конструкция незаметно переходит в скульптурное изображение, а затем - в живопись или мозаику. Собор часто называют «энциклопедией Гауди»: вся архитектурная фантасмагория, состоящая из причудливых существ, фигур людей и животных, дополняется цветом ярко окрашенных черепков и кусков стекла, переливающихся на солнце (см. приложение рис. 21).

Постройка собора была задумана Гауди как своеобразная евангельская энциклопедия – собрание сюжетов и образов из Нового завета, которые дают представление о земной жизни Иисуса Христа. Главный фасад посвящен Рождеству Богоматери, его врата – основным христианским добродетелям. Шпили символизируют апостолов, на внутренних дверях изображены десять заповедей; на капителях колонн – добрые дела, а на их основаниях (базах) – грехи. По мысли архитектора, все фасады собора должны быть покрыты облицовкой из разноцветной керамики и цветного стекла, чтобы сияли под лучами солнца. У храма три портала и несколько уровней; над близлежащими улицами перекинуты лестницы, благодаря чему в его композицию включены соседние участки городской застройки. Гауди не успел достроить собор, он трагически погиб, попав под трамвай в возрасте семидесяти четырех лет.

198

Стремление архитектуры ХХ века к необычному нашло яркое воплощение в «пластическом» искусстве модерна, яркими представителями которого были бельгиец Виктор Орта (1861-1947) и француз Гектор Жермен Гимар (1867-1942). В качестве нового стилистического языка, не имеющего аналогов в прошлом, ими была выбрана причудливо изогнутая, пластическая линия вьющихся, волнистых цветов и растений: лилий, ирисов, камышей и т.д. Наиболее известны особняки и отели, построенные Орта в Брюсселе – дом Тасселя, дом Сольве и Отель ван Этвелде. Гимар прославился строительством станций французского метрополитена, которым он стремился придать художественный облик, его успехи в этом были столь значительны, что даже появился термин «стиль метро».

Одним из направлений модерна, стремящегося противостоять разностилью, стало обращение к традициям классицизма. Зарождение

монументальность, помпезность.

Совершенно новым в архитектуре модерна, получившим интенсивное развитие в ХХ веке стало рациональное направление, возникшее как результат влияния технического прогресса на архитектуру: стали применяться металлические конструкции и каркасы, позволявшие создавать большие остекленные поверхности фасадов. Стекло и металл стали основой предельно простых архитектурных форм. Выпущенные серийным методом металлические конструкции привносили в здания единообразие, что стало восприниматься как «рациональность».

В рационалистических рамках модерна зародилась промышленная архитектура, проникнутая индустриальным духом. Фабричные здания, рабочие корпуса, дома для рабочих отражали эстетику простоты и аскетизма.

Влияние промышленной архитектуры на гражданское строительство обусловило появление конструктивизма, зачинателем которого был Ле Карбюзье (1887-1965). В своих конструкциях он широко использовал

199

бетон, структуру ячеек, передвижные перегородки в интерьере. В 1929 году швейцарец создал в Москве проект здания Центросоюза, которое было построено в 1939 году.

После Второй мировой войны каждая постройка Ле Карбюзье становилась художественным открытием. Такими были капелла в Роншане, на юге Франции (1950-1955 гг.), монастырь Ля-Туретт близ Лиона (1959 г.), здание Национального музея западного искусства в Токио (1956-1959 гг.), Центр искусства в Кембридже, США (1961-1964 гг.).

В различных модернистских течениях исчезло художественно-образное содержание искусства, исчезло гуманное начало, прервалась «связь времен», нарушились грани, отделяющие одно искусство от другого. Именно поэтому искусство модерна называют «последним большим художественным стилем».

8.4. Основные течения в живописи модерна

Первым художественным течением в живописи модерна, обогатившим культуру ХХ века, принято считать фовизм (от фр.fauve – дикие). Стремление группы художников, в которую входили Анри Матисс, Андре Дерен, Жорж Руо, Альбер Марке и другие к новому живописному языку, яркому, эмоциональному, объединило их на некоторое время: у них было много общих корней – увлечение живописью Гогена и Ван Гога, теорией чистого цвета, восточным и примитивным искусством. Фовисты не считались ни с какими установленными в европейской живописи законами перспективы, светотени, постепенного сгущения или смягчения цвета, первенства рисунка в структуре картины. Дерен призвал фовистов «изображать мир таким, каким нам хочется», а Анри Матисс (1869-1954) писал, что «исходный пункт фовизма – решительное возвращение к красивым синим, красивым красным, красивым желтым – первичным элементам, которые будоражат наши чувства до самых глубин». Именно так был им написан в 1905 году портрет его жены «Зеленая полоса» («Мадам Матисс»), который поразил современников невиданным ранее сочетанием цветов – синего, красного и зеленого и смелым построением форм. Более известны его картины-панно, выполненные по заказу русского коллекционера С.И. Щукина – «Танец» и «Музыка» (оба 1910 г.). Оба

200

панно задуманы как единый ансамбль. Их композиции Матисс построил на контрасте: замкнутый круг из пяти обнаженных фигур, объединенных единым движением в «Танце» и внешне разобщенных, но связанных одним настроем – в «Музыке». Пространство в обеих картинах предельно упрощено, в палитре господствуют всего три цвета: синий, красный и зеленый, фигуры обрисованы гибкими, упругими линиями, создающими музыкальный ритм полотен.

В живописи модерна наиболее крайней школой принято считать абстракционизм – искусство, которое полностью разрывает какие бы то ни было связи с реальной действительностью и оперирует только красками, цветом, формой, линией. У абстракционистов линия и структура форм заменяет собой предмет. По определению французского историка искусства Мишеля Сейфора, «всякое искусство, которое следует рассматривать с точки зрения дисгармонии, антикомпозиции, умышленного беспорядка – есть искусство абстрактное». (Энциклопедия живописи. Изд-во «Трилистник». Москва. 1999. С.6). Всю абстрактную живопись, продолжающую развиваться и сегодня, разделяют на две группы: с одной стороны, геометрическая абстракция, начало которой было положено К. Малевичем, и П. Мондриана; с другой – абстрактный экспрессионизм, где произвольные сочетания форм и цветов призваны выразить неким образом чувства и бессознательные эмоции художника. К художникам этого ряда относят В. Кандинского и М. Эрнста, свободный процесс творчества которых особенно подчеркивает такие черты абстракционизма, как «случайность», «отвлеченность». Наряду с другими модернистскими течениями абстрактная живопись приводила к полному распаду художественного образа, беспредметности.

Пит Мондриан (1866-1944) считал, что универсальный образ мира можно создать посредством прямоугольников разного цвета, разделенных черной чертой. Так появились его различные картины без названия «Композиция А», «Композиция», «Композиция с красным, желтым и голубым», которые состояли из прямоугольных плоскостей, перпендикулярных линий, окрашенных в основные цвета спектра: Мондриан считал, что так он создает новую действительность.